tag:blogger.com,1999:blog-49086814820425315772024-03-05T08:28:15.971+01:00Planetas ProhibidosA donde sólo la imaginación puede llegarLino Moinelohttp://www.blogger.com/profile/02938408747204687834noreply@blogger.comBlogger13125tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-16621602537596205992013-12-01T20:06:00.002+01:002013-12-17T11:42:49.803+01:00DUNE (Frank Herbert), por Michel M. Deb<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Cuando hablamos de libros
de ciencia ficción, no puedo dejar de pensar en tantos autores
clásicos, y no tanto, que me han acompañado a la largo de los años.
Pero siempre sale a la luz inevitablemente una de las obras maestras
del género, me refiero a la saga Dune del autorazo de Frank Herbert,
y principalmente al libro numero 1.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO8pGV2CzI_GutfoYe9JRmEtfJOlVG6pMrPEEi_qY8RizZlLWWZQOeZ4f5JSWGOBCsqCwgzT_a5jC0eMCVs4qguaUAO1fJ8MuHSZXuyC5H98k3UqmNXoDhixeCk7Q23C_wR5WDVOAqRuPM/s1600/frank-herbert-dune-dune1-ultramar_MLA-F-2986800676_082012.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO8pGV2CzI_GutfoYe9JRmEtfJOlVG6pMrPEEi_qY8RizZlLWWZQOeZ4f5JSWGOBCsqCwgzT_a5jC0eMCVs4qguaUAO1fJ8MuHSZXuyC5H98k3UqmNXoDhixeCk7Q23C_wR5WDVOAqRuPM/s320/frank-herbert-dune-dune1-ultramar_MLA-F-2986800676_082012.jpg" width="214" /></a>La verdad, no se puede
agregar demasiado o escribir algo que salga de lo común de los miles
de elogios que a través de tanto tiempo se le han dado a esta obra.
Bueno, la verdad, para los amantes de la ciencia ficción no puede
ser un libro que dejen pasar por alto, ya sea por su gran calidad
escrita y la capacidad del autor para crear un universo plagado de
misticismo, personajes increíbles, como la manera visionaria de
abordar temáticas tan actuales como lo son, la ecología, la
<i>cabroneria</i> de los gobiernos y lo peor del ser humano; su
capacidad para segregar, separar a los de su misma especie. Tratemos
de analizar los puntos más importantes y ver su cabida en el mundo
actual ( recuerden que fue publicada en 1966).</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Comencemos por las
similitudes que se pueden apreciar a la cultura árabe, inspiración
que Herbert nunca ocultó, dando claras similitudes fonéticas como
escritas; Fremen nos suena al lenguaje árabe, muchos vocablos del
universo de su novela se basan en terminología real; así, afirma
que en la lengua de la Bene Gesserit, "Kwisatz Haderack"
significa "El camino más corto", cuando el término
"Haderach" en hebreo corresponde a "El camino".
El apellido "Atreides", además, es similar a "Atridas",
apellido griego (descendientes de Atreo) citado por Homero.</span><br />
<a name='more'></a></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">La relación que hay
entre este universo suyo y la sociedad actual es mucha, tanto así
que podríamos asociar perfectamente las temáticas descritas con las
noticias de la noche.</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Paul-Muad'Dib, es una
figura notable, de esas que quisieras existieran de verdad. Con
marcadas similitudes a muchas figuras proféticas de la historia, es
una fuente de misticismo inagotable, convirtiéndolo en un personaje
irremplazable.
</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">La complejidad del
universo Dune, incluyendo un Imperio Galáctico, con constantes
peleas entre sus casas regentes, las cuales son profundizadas en las
precuelas escritas por su hijo, haciendo hincapié en las casas
Atreides, Harkonnen y Corrino.Y l</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">as Bene Gesserit, como una
congregación de mujeres dispuestas a hacer lo que sea con tal de
cumplir sus propósitos. </span><br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"> Dune es también el
planeta de origen de los Fremen, una tribu que ha adaptado su modo de
vida al desierto. Un fremen es reconocido por sus ojos totalmente
azules, producto de la exposición a la especia, un <i>mineral</i>
único en el universo, que solo existe en Dune (Toda la sociedad gira
en torno a este mineral, combustible, comida e incluso droga) ocultos
en sus sietchs. Nadie sabe realmente cuantos fremen hay en Arrakis,
pocos dan importancia a su existencia. Pero nadie sospecha el poder
de esta raza capaz de usar los Shai Huluds, los monstruosos gusanos
de arena como medio de transporte... y como armas superiores. </span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Se pasan muchos puntos
por nombrar pero creo que es suficiente como para despertar la
curiosidad en quienes no han leído, y el recuerdo en aquellos que
somos fanáticos, esperando que algún día alguien como Peter
Jackson toma el libro y haga una película digna de esta gran saga,
que me atrevo a decir, es mucho más completa que el universo Star
Wars. Una humilde opinión, un saludo a todos desde el fin del mundo.
</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span>
</div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Michel M. Deb</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">www.micheldeb.tk</span></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span>
</div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
</div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">
</span>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
JAVIERhttp://www.blogger.com/profile/13775077081870452890noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-7495771385396997382012-10-28T18:12:00.000+01:002012-10-28T19:46:17.939+01:00"ALIEN" (Ilustración)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixCm4J4BJWl88Z1LULGlHDL3IW253BH0vHJx-yHIgvL4QuHX1dAVv-SAK_MabWCM39gS6TkiyZma3H2Y6Cl8K4XvQut21zD86MQjMqqzdjhfSfnJNRGhyqDdMRo_TrZyWnDohGkJ-co_g/s1600/Art%252520-%252520alien3-fin%255B1%255D.jpg" imageanchor="1"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixCm4J4BJWl88Z1LULGlHDL3IW253BH0vHJx-yHIgvL4QuHX1dAVv-SAK_MabWCM39gS6TkiyZma3H2Y6Cl8K4XvQut21zD86MQjMqqzdjhfSfnJNRGhyqDdMRo_TrZyWnDohGkJ-co_g/s200/Art%252520-%252520alien3-fin%255B1%255D.jpg" width="0" /></a>
<br />
<div style="text-align: center;">
<a href="http://guillermopl.com/wp-admin/images/DIBUJOS/Art%20-%20alien3-fin.jpg"><img alt="" class="alignnone" height="235" src="http://guillermopl.com/wp-admin/images/DIBUJOS/Art%20-%20alien2-post.jpg" width="535" /></a>
<i><span style="color: cyan;"><b> </b></span></i></div>
<div style="text-align: center;">
<i><span style="color: cyan;"><b>¡Click para ampliarlo!</b></span></i></div>
<b>Tamaño</b>: 31 x 70 cm.<br />
<b>Materiales</b>: acrílicos y lápices de color.<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Hace unos años realicé unos cuantos banners para los foros de cine NosoloHD sobre variadas temáticas cinematográficas, mediante fotomontajes. Uno de ellos, que homenajeaba a la obra maestra de Ridley Scott '<b>Alien</b>' (1979), lo hice mediante la mezcla de tres imágenes promocionales bastante conocidas: una de la protagonista, Ripley (Sigourney Weaver) enfundada en su traje espacial, otra de la famosa criatura vista de lado, y como fondo el mítico e impresionante plano de la nave estrellada o "Derelict" sobre la superficie del planetoide.<br />
<a name='more'></a><br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Como siempre me gustó especialmente aquella sencilla composición, reflejando la confrontación entre la protagonista y el <i>xenomorfo</i>, he decidido traspasarla al papel de dibujo y hacer un cuadro con ella, en homenaje a una de las películas que más admiro.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="" class="alignnone" height="227" src="http://guillermopl.com/wp-admin/images/DIBUJOS/Art%20-%20alien4-Det2.jpg" width="535" /> </div>
<div style="text-align: center;">
Fase a lápiz y entintado.<br />
</div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="" class="alignnone" height="227" src="http://guillermopl.com/wp-admin/images/DIBUJOS/Art%20-%20alien4-Det1.jpg" width="535" /> </div>
<div style="text-align: center;">
Detalle.</div>
<div style="text-align: justify;">
(...).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Entrada o<a href="http://www.guillermopl.com/?p=735">riginalmente publicada en la web <b>Ilustraciones Guillermo de la Peña</b></a>. </div>
Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-13997408223579499182012-01-30T14:36:00.006+01:002012-02-04T10:28:09.253+01:00'Barbarella' (de Roger Vadim, 1968).<div style="color: black;">
<strong>Líneas sensuales y fotogramas con olor a rancio.</strong>
</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/barbarella-poster.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5606718085889645970" src="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/barbarella-poster.jpg" style="cursor: pointer; float: left; margin: 10px 10px 10px 0px;" /></a>Cuando <strong>Jean-Claude Forest</strong> creó en 1962 al personaje de Barbarella, es posible que tan sólo pretendiera entretener al mayor número posible de lectores de cómics mediante simples “aventuras por la aventura” y, de paso, endurecer la afición (y no sólo la afición) del público masculino por medio de unos sagaces toques de erotismo que, si bien hoy se nos pueden antojar muy inocentes y “soft”, en su tiempo eran de mayor envergadura (con perdón) y tuvieron que sortear en alguna que otra ocasión los zarpazos de la censura.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<a name='more'></a><div style="color: black; text-align: justify;">
Esta serie de historias en formato de tebeo nos narra las aventuras siderales y carnales de Barbarella, una aventurera espacial creada a imagen y semejanza del mito erótico Brigitte Bardot, dotada, como diría el bueno de Eduard Punset, de unas proporciones de simetría perfectamente equilibrada, o como diría cualquiera de nosotros, “tan buena como para mojar pan”. A lo largo del primer bloque de historietas que Forest gestó en la década de los sesenta y los otros tres volúmenes que completó entre los setenta y ochenta, nuestra protagonista de ligeras y apretadas ropas viaja a multitud de planetas, conoce a los personajes más estrafalarios, se enfrenta a multitud de peligros con su atractiva inocencia, y hace el amor cada vez que las ocasiones son propicias. Pero en aquellos primeros tiempos, fuera de las páginas de los tebeos y lejos de sus mundos imaginarios, había un mundo atravesando, al menos en lo que conocemos como “occidente”, un dilatado y traumático período de <strong>revoluciones sociales y artísticas</strong> de los que <em>Barbarella</em> es, en cierto modo, una pequeña causa y también una consecuencia.
</div>
<br />
<div style="color: black; text-align: center;">
<img alt="" class="aligncenter" height="192" src="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/forbbimag06.jpg" title="forbbimag06" width="444" /></div>
<div style="color: black; text-align: center;">
<span style="font-style: italic;">Y ese día, Barbarella aprendió lo que era "jugar al Teto"...</span>
</div>
<div style="color: black; text-align: justify;">
<br />
Las primeras páginas de la obra de Forest<em> </em>aparecieron en pleno proceso de revalorización cultural en la revista francesa <strong><em>V Magazine</em></strong><em>, </em>una de las primeras en que el comic europeo comenzó a dar muestras de una <strong>renovación radical tanto en lo formal como en lo narrativo</strong>, trascendiendo su espíritu infantil y suscitando cada vez más el interés del público adulto. Así, mediante un estilo de trazos simples (ideal para la contemplación de las curvilíneas formas de la protagonista) y un uso minimalista de los colores en la esencia de lo que luego se definiría como “Pop-Art”, Jean-Claude Forest creaba por fin un mito erótico no sólo para los lectores del viejo y del nuevo continente, sino especialmente para aquellos que, en concreto, se sentían atraídos por las historias con elementos de corte futurista.
<br />
Si intentamos analizar esta obra exclusivamente desde el prisma de la ciencia-ficción, atendiendo al contexto de sus historias y la estética de sus personajes y lugares, debemos admitir que <em>Barbarella</em> no supuso nada que merezca la pena destacar, pues en buena medida se subía al carro del estilo de aventuras siderales que <strong><em>Flash Gordon</em></strong> había ayudado a popularizar y consolidar años antes. Pero intencionada o inintencionadamente, <em>Barbarella</em> resultó ser, como hemos dicho, un símbolo no sólo de la importante revalorización cultural experimentada en aquellos tiempos tiempos tan receptivos para las experimentaciones artísticas tanto en general como concretamente en el campo del tebeo, sino también del auge de los movimientos feministas y el alzamiento de la figura de la mujer en la sociedad. Lo cual, qué duda cabe, no es poco.
<br />
Hasta aquí todo bien. Pero, como si de un previsible giro de guión se tratara, comienza la parte escabrosa de esta interesante historia. <em>Barbarella</em> se hizo tan célebre allende las fronteras de Europa y Francia, que con poca dificultad llamó la atención de los estudios cinematográficos. Y así… <strong>“con el cine hemos topado”</strong>.</div>
<br />
<div style="color: black; text-align: center;">
<img alt="" class="aligncenter" height="210" src="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/forbbimag04.jpg" title="forbbimag04" width="444" /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="color: black; font-style: italic;">El horror de la traslación literal... ¡el horror!</span>
</div>
<br />
<div style="color: black; text-align: justify;">
Al frente de estre proyecto se posicionó a Roger Vadim, todo un “playboy” que derrochó todos sus esfuerzos como cineasta en convertir el film en un vehículo para el lucimiento de su por aquel entonces esposa, la deslumbrante <strong>Jane Fonda</strong>, que hace suya la piel de la aventurera espacial. Y es probable que el recientemente fallecido <strong>Dino De Laurentiis</strong> no pusiera ninguna pega ante este objetivo; recordemos que a lo largo de su longeva carrera como legendario productor cinematográfico demostró ser capaz tanto de lo mejor (<em>producir películas </em><em>a </em><strong>David Lynch</strong>, <em>Sidney Lumet</em>, <strong>Sidney Pollack o John Milius</strong>) como de lo peor (<em>Flash Gordon</em>, el <em>King Kong</em> de 1976 o la que nos ocupa en este caso, a la postre las obras que más se suelen asociar a su figura).
</div>
<br />
<div style="color: black; text-align: justify;">
Hoy en día, <em>Barbarella</em> (estrenada en 1968, y que adapta en buena medida el primer volúmen del comic de Forest) es un film “mítico”, aunque desde el plano objetivo esto no es decir mucho. Siempre que se habla de ella suelen mencionarse palabros como “kitsch”, “camp” o “encanto”, y sus pósters o fotogramas suelen decorar garitos para fans de la estética “popera” que seguramente no han visto ni una sóla película de Ciencia-Ficción sesentera en su vida (¿a cuántos estudiantes de Bellas Artes así habré conocido?). Pero lo que de verdad importa es que se trata de una malísima película, salvada del olvido apenas por <strong>una mitificación popular desmedida</strong>, y que desde el plano cinematográfico no se sustenta en absoluto.</div>
<br />
<div style="color: black; text-align: justify;">
<em>Barbarella</em> comienza su, a mi parecer, dilatada lista de errores con el más frecuente en la mayoría de <strong>adaptaciones de la literatura o del noveno arte al cine</strong>: el medio cinematográfico es un campo que poco o nada tiene que ver con los dos anteriormente mencionados, pues cada uno de ellos posée un lenguaje propio e intransferible, y lo que funciona a la perfección en un medio, no tiene por qué funcionar traspasado a otro. De ahí que las soluciones estéticas y/o argumentales que tan bien funcionan en el campo del cómic o la ilustración, se muestren fuera de lugar o directamente ridículas al traspasarlas con tanta literalidad al campo de los fotogramas. Así sucede con <em>Barbarella</em>… y De Laurentiis volvería a repetir el error años más tarde con <em>Flash Gordon</em>.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/2313057-737m.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5606718085889645970" src="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/2313057-737m.jpg" style="cursor: pointer; float: left; margin: 10px 10px 10px 0px;" /></a>Cuando uno se aproxima por primera vez a una película como esta, uno espera encontrar una explicación a tanta mitificación exacerbada. Pero visionándola, duele recordar que 1968 fue el año de <strong style="color: black;"><em>2001: Una Odisea del Espacio</em></strong><span style="color: black;">. En absoluto no es que con ello le pida a la película de Vadim la cualidad del mejor Kubick, pero es que hasta una serie clásica como </span><em style="color: black;">Star Trek</em><span style="color: black;">, pese a contar con medios más ajustados que el film que nos ocupa, presentaba soluciones visuales y argumentales más originales y trabajadas. </span><em style="color: black;">Barbarella</em><span style="color: black;">, por el contrario, cuenta con un </span><strong style="color: black;">trabajo de montaje y de puesta en escena directamente pedestres</strong><span style="color: black;"> y dignos de la peor “serie Z”, un ritmo mal medido que la hace aburrida pasada la mitad, un </span><strong style="color: black;">tono totalmente incongruente</strong><span style="color: black;"> que no parece saber posicionarse de manera clara en la comedia disparatada o en el cine que se toma en serio, y una banda sonora pop que, a pesar de lo buena que pueda resultar en escucha aislada, se convierte en un verdadero desastre a la hora de servir como acompañamiento musical de las imágenes. Si hay algo que hace levantar la película hasta cierto punto (y aquí el uso de la palabra “levantar” es doblemente intencionado) es </span><strong style="color: black;">la interpretación de Fonda</strong><span style="color: black;">, una auténtica belleza que doblega a cualquiera con su presencia y con su inocente mirada. La actriz intenta, y en cierto modo consigue, introducir matices a un personaje que ya se descubre plano y mal definido desde el papel, pero a pesar del esfuerzo, ni siquiera ella es capaz de evitar que todas y cada una de las interacciones entre personajes (especialmente las conversaciones más orientadas a ser momentos supuestamente cómicos) parezcan meros descartes de las sesiones de ensayo en que los intérpretes improvisan sobre la marcha.</span>
<br />
Así, <em>Barbarella</em> reúne todos los males y cutrerío que se atribuyen hoy en día a las típicas producciones cinematográficas de la India. Con la salvedad subjetiva, eso sí, de que como este film posée la etiqueta popular de la “mítica”, eso hace que inconscientemente se le atribuyan valores positivos donde no los hay. Al final, <strong>machacarla</strong> (lamentablemente me estoy refiriendo tan sólo a la película) se convierte en lo más divertido de la función, pues lamentablemente, y como dice el fino y recatado dicho popular, esta película no da ni para paja.</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="" class="aligncenter" height="576" src="http://peliculeros.files.wordpress.com/2011/10/tumblr_lfantzhbve1qbpemno1_500.jpg" style="color: black;" title="tumblr_lfantzHbvE1qbpemno1_500" width="400" /></div>
<br />
<span style="color: black;">[Reseña </span><span style="color: black;">publicada originalmente en el <a href="http://planetasprohibidos.blogspot.com/2011/10/planetas-prohibidos-3-29102011.html">número 3 de nuestra revista <span style="font-weight: bold;">Planetas Prohibidos</span></a></span><span style="color: black;">.]</span>Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-83400388113902158432011-11-25T14:40:00.001+01:002011-12-19T20:43:44.035+01:00Primeras imagenes oficiales de «Prometheus»Aparecen por fin las primeras capturas del nuevo y esperado proyecto de Ridley Scott: Prometheus<br />
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<a href="http://collider.com/wp-content/uploads/prometheus-image-1-ew-scan.jpg" target="_blank"><img alt="prometheus-image-1-ew-scan" class="aligncenter size-thumbnail wp-image-128097" height="327" src="http://collider.com/wp-content/uploads/prometheus-image-1-ew-scan-600x327.jpg" title="prometheus-image-1-ew-scan" width="600" /></a></div>
<br />
<br />
Más escenas de la pelicula en la fuente (Collider):<br />
<a href="http://collider.com/prometheus-movie-images/128096/">http://collider.com/prometheus-movie-images/128096/</a><br />
<br />
Noticia enviada por Guillermo (Atreus)Planetas Prohibidoshttp://www.blogger.com/profile/02081891832617823914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-73640984818609746182011-11-10T18:51:00.003+01:002011-12-19T20:45:53.209+01:00«Profetas de la ciencia-ficción»<div style="text-align: justify;">
Serie-documental
producida y presentada por Ridley Scott acerca de los "profetas" de la
ciencia-ficción (Shelley, Wells, Dick, Clarke, Verne, Asimov...
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipUxX74hOLb-6DJOEfWoNrWjGPorVABJdfP6dI497DRUE58ccuL_LWIsbEgRKbUUfzv3HnV5anTvMFHzmNc7JhoPcom_bhTFTtO9UvzeSyG6GSCrnxg-PzbUNRSfuWGxXjNKlm1IJnz9o/s1600/Radiotelescopios-01%2525255B1%2525255D%255B1%255D.gif" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" ida="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipUxX74hOLb-6DJOEfWoNrWjGPorVABJdfP6dI497DRUE58ccuL_LWIsbEgRKbUUfzv3HnV5anTvMFHzmNc7JhoPcom_bhTFTtO9UvzeSyG6GSCrnxg-PzbUNRSfuWGxXjNKlm1IJnz9o/s1600/Radiotelescopios-01%2525255B1%2525255D%255B1%255D.gif" /></a><br />
<blockquote>
Executive Producer Ridley Scott presents <i>Prophets of Science Fiction</i>.<br />
<div style="text-align: justify;">
The "Science Fiction" of the past has now simply become "Science". And the science of the future was strangely prophesied by a group of visionaries whose dreams once may have deemed them renegades and "mad scientists," have become reality!</div>
</blockquote>
<br />
Leer más en la fuente (Science Discovery): </div>
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Noticia enviada por <a href="http://planetasprohibidos.blogspot.com/search/label/atreus">Guillermo (Atreus)</a></div>Planetas Prohibidoshttp://www.blogger.com/profile/02081891832617823914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-50081701453301424542011-05-07T11:28:00.010+02:002011-12-19T22:09:41.439+01:00'Solaris' (1961), de Stanislaw Lem.<p><strong>Antropocentrismo y tragedia humana en las estrellas.</strong></p> <p align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiIRL-xWC0clmQbTMulcKNH9CKuSjutyMDyF588daKD8AQmLYOsK_v1Lg5nKHxWj365TMIubq1NFLdDdr9k9vnfS_DZTdkS6Y87UStmpcJ0by8_FRsO-jL6Om53867NcysYJsx5q_7EzU/s1600/solaris%255B1%255D.jpg"><img style="margin: 10px 10px 10px 0px; width: 180px; float: left; height: 309px; cursor: pointer" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5606718085889645970" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiIRL-xWC0clmQbTMulcKNH9CKuSjutyMDyF588daKD8AQmLYOsK_v1Lg5nKHxWj365TMIubq1NFLdDdr9k9vnfS_DZTdkS6Y87UStmpcJ0by8_FRsO-jL6Om53867NcysYJsx5q_7EzU/s400/solaris%255B1%255D.jpg" /></a>El psiquiatra <strong>Kris Kelvin</strong> es enviado a la estación espacial <strong>Solaris</strong>, que toma su nombre del planeta sobre cuya superficie se mantiene a pocos centenares de metros de altura. El planeta, un gigantesco océano de plasma de comportamientos antinaturales, y se dice que conscientes, ha supuesto durante décadas el mayor reto científico al que se ha enfrentado el Hombre en toda su existencia. Una vez llega a la estación, Kelvin se encuentra con un panorama insólito y claustrofóbico: un científico suicidado, otros dos convertidos en personas erráticas y desconfiadas, y por si fuera poco, la presencia de extraños visitantes ajenos a la estación, entre los cuales, Kelvin se reencontrará con <strong>Harey</strong>, su amada, fallecida años atrás… </p> <div style="text-align: justify"> <a name='more'></a> </div> <div style="text-align: justify">En nuestro diccionario de la lengua española existe una palabrota de esas la leche de raras que es <strong>epistemología</strong>, definida como la “doctrina de los fundamentos y métodos del conocimiento científico”. Es decir, que se trata de la disciplina filosófica que estudia la teoría del conocimiento fundamentada en la ciencia, y se encarga de cuestionarla formulando preguntas de este estilo: ¿puede ser la ciencia capaz de explicarlo todo? ¿Se trata de una visión universal de la realidad, o está siempre condicionada por el punto de vista del Hombre? Al gran escritor polaco <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Stanislaw_Lem"><strong>Stanislaw Lem</strong> </a>siempre le interesaron este tipo de cuestiones, de forma que una gran parte de toda su narrativa está ocupada por obras que intentan recapacitar acerca de nuestros límites cognitivos, y ponen en tela de juicio la visión antropocéntrica con la que, sin darnos cuenta, lo valoramos todo a nuestro alrededor. <em>Solaris</em> se enmarca dentro de este grupo de obras. Y no sólo se trata de su novela más conocida; tal vez su obra maestra. Lem creó todo un monumento de poderosas descripciones, atmósferas malsanas que absorben al lector y una potente carga emocional, en el que el hombre viaja a las estrellas a su encuentro con lo desconocido, y acaba por conocerse más a sí mismo.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: center"><img class="aligncenter" border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s2.jpg" /> </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Lem, nacido en Polonia en 1921 y fallecido en 2006, poseía una <strong>gran formación en ciencia y filosofía </strong>y dejó tras de sí una obra muy rica en formas y estilos. No sólo se centró en la Ciencia-Ficción "epistemológica", como sucede con la obra que nos ocupa, sino que también desarrolló sátiras, relatos de humor, novelas de investigación y misterio, e incluso una serie de ensayos inusuales con los que a menudo se le compara con Borges. Hasta este momento, de Lem he leído <em><strong>Diarios de las Estrellas</strong></em> (de 1957), colección de relatos satíricos con la que ya me estaba descojonando de risa a las dos páginas, y la absolutamente impresionante <em><strong>Fiasco</strong></em> (de 1986), que después de tres años ya tengo unas enormes ganas de volver a su alucinante narración. Recientemente he podido terminar <em><strong>Edén</strong></em> (de 1959), y en mi lista de espera tengo <em><strong>Retorno de las Estrellas</strong></em> (de 1961). De todas ellas, <em>Solaris</em> es la única que he leído tres veces y ha llegado a convertirse en una obsesión personal, hasta el punto que ya deseo darle una cuarta lectura. Y gracias a todas, Lem es hoy día, sin duda alguna, uno de mis escritores favoritos.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">La trama epistemológica de novelas como <em>Edén</em>, <em>Fiasco</em> o esta <em>Solaris</em> (y según tengo entendido, de muchas otras), gira en torno al mismo planteamiento: la imposibilidad de sus personajes en establecer contacto con entidades extraterrestres. Lem coloca a sus personajes frente a una situación de posible contacto; estos investigan, teorizan, piensan y experimentan sirviéndose del <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9todo_cient%C3%ADfico">Método Científico </a>hasta sus límites, pero siempre en vano, y con <strong>la gran amargura que conlleva el asumir nuestras limitaciones</strong>. La ciencia, como herramienta desarrollada por el Hombre, es imperfecta y limitada, está condicionada a nuestra innata visión antropocéntrica de la realidad, y por ende, es incapaz de explicar todo aquello que sobrepase los límites de nuestro raciocinio. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: center"><img border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s1.jpg" /></div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Este palpable aura de pesimismo, presente en la mayor parte de toda su obra, pudo haberse debido al <strong>triste espíritu de postguerra europea de la época en la que creció</strong>. Tal vez, esa imposibilidad de entendimiento mutuo que nos caracteriza como especie, causante de tantas y tantas miserias, fue lo que le hizo gestar sus ideas. Este espíritu es palpable incluso en sus numerosos relatos humorísticos, como los contenidos en <em>Diarios de las Estrellas</em>, sátiras en las que no es difícil intuir una furibunda crítica hacia el hombre y la sociedad. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">En el caso de <em>Solaris</em>, la novela que nos ocupa, tenemos al Lem científico, sabio y profundo de siempre, equilibrando esta vez su obra (y de qué manera) con una <strong>trágica historia de amor</strong> que saca a la luz el lado más pasional del escritor polaco.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: center"><img class="aligncenter" border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s6.jpg" /> </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Hay que admitir que, tanto el autor como esta obra, no serían hoy en día tan conocidos de no ser por sus varias <strong>adaptaciones al cine</strong>; y al contrario de lo que se piensa, <strong>no han sido dos sino tres las versiones fílmicas que se han hecho de <em>Solaris</em></strong>. En 1972, el ruso <strong><a href="http://www.imdb.com/name/nm0001789/">Andrei Tarkovsky</a></strong> rodó su acercamiento personal a esta novela, produciendo una película de muchas lecturas que consigue encuadrarse a la perfección dentro del estilo de cine simbólico y contemplativo del director de <em><a href="http://www.imdb.com/title/tt0079944/">Stalker</a></em>. Es larga y atmosférica, muy introspectiva acerca de la naturaleza del Hombre y sus relaciones con lo que le rodea, y posee imágenes de gran intensidad gracias a su <strong>fuerte ambientación onírica</strong>. En aquellos años, fue vendida como la respuesta soviética al <em>2001</em> de Kubrick, obra maestra de la humanidad. Pero si exceptuamos el ritmo pausado de ambas, el género en que se enmarcan, y el hecho de que multitudes de personas se quedan sobadas viéndolas, la verdad es que son como un huevo y una castaña.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">En 2002, con producción de James Cameron, el siempre interesante <a href="http://www.imdb.com/name/nm0001752/"><strong>Steven Soderbergh</strong> </a>rodó la tercera (y, hasta próximas amenazas de Hollywood, la última) adaptación. Protagonizada por su compañero George Clooney, y distanciándose todavía más de la novela dejando de lado cualquier reflexión epistemológica, la película <strong>se centra en la historia de amor</strong> aportándole un carácter (y final) metafísico, y planteándonos si vale la pena aferrarse a nuestro mundo real cuando el mundo onírico nos ofrece mucho más. Huelga decir que la película se decanta por el sí. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Pero mucho antes de Sodenbergh, antes incluso que Tarkovsky, <strong>en el año 1968,</strong> <strong>un director soviético llamado Boris Nirenburg rodó <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Solaris_%281968_film%29">la primera de todas ellas</a></strong>; una producción en blanco y negro para la televisión rusa, de la cual no se supo absolutamente nada fuera de las fronteras del país durante más de treinta años debido a la implantación de aquella barrera política, social y cultural que fue conocida como <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Tel%C3%B3n_de_Acero">El Telón de Acero</a>. Poco más se sabe de ella, pero, de momento, han sido rescatados y subidos al YouTube unos cuantos fragmentos como el que podéis ver a continuación, con unos subtítulos en inglés que se agradecen infinitamente:</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div align="center"><iframe height="349" src="http://www.youtube.com/embed/Y3vWid1xAYw" frameborder="0" width="425" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Se trata de una representación, casi diríamos que teatral, de un momento de la novela que es puro diálogo. Los actores parecen recitar el propio texto original de Lem en lugar de un guión adaptado, y como explica el propio usuario que subió el fragmento, <strong>la fidelidad del film es bastante superior</strong> a la de las siguientes adaptaciones. Sin embargo, a pesar de un recital tan fiel, son muchos los matices que se pierden del papel a la imagen, disipándose por lo tanto la intensidad que, al menos, domina ese momento en la novela.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Porque si hay algo que tengo que mencionar, es que desde el punto de vista literario, atendiéndonos a descripciones de ambientes, sensaciones, personajes y las conversaciones que surgen entre ellos, todo en <em>Solaris</em> es de primer orden, y Lem lo consigue con una admirable economía de recursos. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify; padding-left: 30px">“<em>Me ahogaré entre los hombres, me dije. Seré taciturno y atento, un compañero apreciado. Tendré muchos amigos, hombres y mujeres, y tal vez incluso una mujer. Durante un tiempo tendré que esforzarme en sonreír, saludar con una pequeña inclinación, enderezarme, ejecutar los miles de pequeños gestos que componen la vida en la Tierra, hasta el día en que esos gestos vuelvan a convertirse en hábitos. Encontraré nuevos intereses y ocupaciones a los que no me daré por entero. No, nunca más me daré por entero a nada ni a nadie. Y quizá de noche miraré allá arriba la nebulosa oscura, cortina negra que vela el resplandor de dos soles. Y recordaré todo, hasta lo que pienso en este momento; con una sonrisa pesarosa, rememoraré mis locuras y mis esperanzas. Y nadie se atreverá a juzgarme</em>.”</div> <div style="text-align: center"> </div> <div style="text-align: center"><img class="aligncenter" border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s7.jpg" /> </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Por su contenido, la novela podría dividirse en <strong>dos tramas paralelas</strong>, una que atañe al terreno personal de Kelvin y otra que atañe a la ciencia.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Las primeras páginas, destinadas a narrarnos la llegada de Kelvin y sus impresiones de todo cuanto acontece en la estación, están dotadas de una gran fuerza descriptiva, y, con un gran cuidado con su prosa, Lem consigue provocar temor e inquietud en los lectores. Una breve, pero efectiva aproximación al género de terror para la que utiliza varias de las constantes más habituales de la <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Novela_g%C3%B3tica">Novela Gótica</a> clásica, y que antecede a lo que será el gran foco de esta trama: <strong>la intensa historia de la pareja protagonista, Kelvin y Harey</strong>, salpicada de dilemas morales y reflexiones sobre la identidad que recuerdan vivamente a <em><strong>Blade Runner </strong></em>(¿habrá sido la Harey de <em>Solaris</em> una de las inspiraciones de <a href="http://www.imdb.com/name/nm0266684/">Hampton Fancher</a> a la hora de describir la angustia de Rachel?) y que, en el fondo, parece ser una especie de revisión libre del conocido <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Orfeo#El_mito_de_Eur.C3.ADdice">mito de Orfeo y Eurídice</a>. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: center"><img border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s5.jpg" /></div> <div style="text-align: justify"> <br />De una forma paralela, tenemos <strong>la trama epistemológica de la historia</strong>. Kelvin mantendrá diversos encuentros con los otros dos científicos de la estación, <strong>Snaut</strong> y <strong>Sartorius</strong> (geniales personajes, muy bien definidos), surgiendo unas magníficas conversaciones a través de las cuales los personajes intentarán desentrañar los misteriosos sucesos de la estación, y, que es lo mismo, encontrar una explicación a los comportamientos del planeta Solaris. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Al mismo tiempo, Kelvin visita en diversas ocasiones la biblioteca de la estación, con el propósito de dar un repaso a los cientos y cientos de volúmenes, estudios y ríos de tinta que durante décadas la Humanidad ha gastado en vano en su estudio del misterioso planeta: <strong>la</strong> <strong>Solarística</strong>. Y es entonces cuando el autor aprovecha para presentarnos una de sus más conocidas firmas personales, presente en muchos otros de sus libros, y una de las características que más suelen sorprender a los lectores primerizos: sus <strong>largas, densas y fascinantes disertaciones acerca de fenómenos o conceptos científico</strong>s, que se extienden durante páginas y páginas. En <em>Solaris</em>, Lem nos expone numerosas teorías, nos narra misteriosos sucesos relacionados con el planeta, y pone a prueba la imaginación de los lectores con sus milimétricas descripciones de “Mimoides”, “Simetríadas”, “Longus” y otras tantas manifestaciones físicas del océano, tan bizarras como inabarcables para nuestro entendimiento. En estas páginas su estilo narrativo se torna diferente, más pesado; quizá, en opinión de muchos, para reflejar intencionadamente la vanidad de una ciencia moribunda que ha acabado siendo vencida por el reto de Solaris, concediéndonos una única afirmación: nuestras limitaciones.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: center"><img border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s3.jpg" /> </div> <div style="text-align: center"><em>Representación aproximada de una Simetríada</em>. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">Estas dos diferentes tramas se mantienen bien hiladas la una a la otra por arte de Lem a través del magnífico desarrollo narrativo de la novela, y se mueven juntas hasta confluir en lo que es el sentido global de la misma: un relato sobre la condición humana, nuestros anhelos y nuestros sueños, sobre <strong>nuestras grandezas y posibilidades, y nuestras miserias y limitaciones</strong>, referido no sólo a nuestro propio mundo interno, sino también al mundo que nos rodea y nuestra forma de verlo a través de esa herramienta de la “gnosis” que hemos llamado ciencia.</div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify; padding-left: 30px">“<em>Aún cuando el hombre hubiese explorado todos los rincones del Cosmos, aun cuando hubiese encontrado otras civilizaciones, fundadas por criaturas semejantes a nosotros, Solaris seguiría siendo un eterno desafío</em>.”</div> <div style="text-align: justify"> <br />El planeta Solaris, un océano, símbolo del subconsciente, es <strong>el espejo metafórico</strong> en el que se reflejan nuestra conciencia, nuestros fantasmas interiores, y todo aquello que el saber humano, mediante sus rudimentarias herramientas, nunca llegará a vislumbrar.<strong> </strong>Un <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Prometeo"><strong>Prometeo </strong></a>portador de secretos con el que jamás nos podremos comunicar; y la imposibilidad de los protagonistas en poder acceder a ese conocimiento, la impotencia del Hombre imperfecto y de su ciencia imperfecta por no poder conocer aquello que es ajeno a nuestra propia naturaleza, es el sentido epistemológico de esta grandiosa novela de Lem. </div> <div style="text-align: center"><img border="0" alt="Photobucket" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/s8.jpg" /></div> <div style="text-align: justify"> <br />Una novela sin duda hermosa, que a muchos puede suponer un antes y un después en la forma de pensar muchas cosas. </div> <div style="text-align: justify"> </div> <div style="text-align: justify">~Artículo externo de interés: <a href="http://www.pasadizo.com/index.php/component/peliculas/?view=peliculas&id=1686&type=critica">mi reseña de la adaptación de Tarkovsky en la web <span style="font-weight: bold">PASADIZO</span></a>.</div> <div style="text-align: justify"><span style="font-size: 85%">~[Reseña <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2009/08/06/leyendo%E2%80%A6-solaris-1961-de-stanislaw-lem/">publicada originalmente en el blog </a><span style="font-weight: bold"><a href="http://peliculeros.wordpress.com/2009/08/06/leyendo%E2%80%A6-solaris-1961-de-stanislaw-lem/">PELICULEROS</a> </span>el día 6 de Agosto de 2009.]</span></div> Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-87227362431671603392011-03-06T14:09:00.005+01:002020-05-01T09:47:34.910+02:00'Ubik' (1969), de Philip K. Dick.<div style="text-align: justify;">
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<strong>"La realidad es aquello que, cuando dejas de creer en ella, no desaparece" (Dick).</strong></div>
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<img alt="" border="0" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/ubik.jpg" style="float: left; height: 303px; margin: 0pt 10px 10px 0pt; width: 200px;" />En un mundo futuro en que diferentes clases de capacidades psíquicas están a la orden del día, <strong>Glenn Runciter</strong>, el anciano presidente de Runciter Asociados, compañía que combate criminales psíquicos y el espionaje industrial, sufre el mortal ataque de un grupo rival mientras viajaba a Luna para supervisar un trabajo junto a un numeroso grupo de trabajadores dotados de poderes mentales. Ellos, liderados por <strong>Joe Chip</strong>, intentan regresar a Tierra a tiempo de preservar a su jefe en estado de semivida y así salvar su mente, pero llegan tarde. Sin embargo, una serie de sucesos inexplicables que ponen en entredicho la persistencia de la realidad aparente, comienzan a fustigar al grupo de trabajadores cada vez más, alterando el mundo que les rodea e incluso acabando poco a poco con ellos... ¿Qué sucedió realmente en Luna? ¿Qué está sucediendo con la endeble realidad material que envuelve a los protagonistas? Y sobre todo... <strong>¿qué coño es Ubik?</strong></div>
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Esta novela de Dick, que recientemente he leído por segunda vez desde que mi mejor amigo y compañero del blog <a href="http://peliculeros.wordpress.com/">Peliculeros </a>me la regalara en 2004, es única e irrepetible como su propio autor, y en ella nos encontramos de lleno con las más importantes constantes paranoides y metafísicas que marcaron su obra literaria y su mente, y que han convertido a Ubik en <strong>su obra maestra</strong> a vista de la mayoría de sus lectores más entendidos, y asimismo en una de las obras más importantes del género.<br />
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<strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Philip_K._Dick" target="_blank">Philip Kindred Dick</a></strong>, nacido en 1928 en California, es hoy día conocido mundialmente por ser el escritor del libro que inspiró <em>Blade Runner</em> (<strong><em>¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?</em></strong>), pero en su producción literaria escribió <strong>una enorme cantidad de novelas y relatos que trascienden el género, y en los que de una forma admirablemente compulsiva, vertió todas sus obsesiones y paranoias</strong>, resultados de una personalidad dominada por traumas, misteriosos sueños, revelaciones y experiencias místicas para las que a lo largo de su vida y su obra intentó hallar una respuesta (<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/I_Ching" target="_blank">I-Ching</a>, drogas, arquetipos de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Carl_Gustav_Jung" target="_blank">Jung</a>...), quizá provocadas por principios de esquizofrenia y el largo consumo de estupefacientes. Una vida casi más abrumadora y fascinante que su propia ficción, a la que os animo a acercaros con la <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Philip_K._Dick" target="_blank">Wikipedia </a>o, mejor aún, con el interesantísimo libro <a href="http://www.edicionesminotauro.com/FichaLibro.aspx?IdPack=2&IdPildora=134" target="_blank"><em>Yo Estoy Vivo y Vosotros Estáis Muertos</em></a> de Emmanuel Carrère.
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<img alt="" border="0" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/Sinttulo-1-1.jpg" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt;" />
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Volviendo al terreno literario, en cierto modo, la situación de Dick fue bastante parecida a la de Ray Bradbury, pues <strong>jamás necesitó perderse en diatribas científicas con las que justificar sus narraciones</strong>. Esta manera de utilizar la ciencia de forma impía a ojos de muchos le valió no pocas críticas a lo largo de toda su trayectoria, y le ayudó a ganar esa imagen de autor marginal e inadaptado a cualquier género. Tras su fallecimiento en 1982 (antes que pudiera contemplar <em>Blade Runner</em> en los cines), la popularidad de sus obras y el culto hacia su persona fue creciendo a la par que el llamado movimiento <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Cyberpunk" target="_blank">Cyberpunk</a>, hasta convertirse en el gran gurú y figura de referencia literaria que es hoy día. Prueba de ello es que sus <strong>geniales tratados acerca de las confusiones entre existencias yuxtapuestas y de los conflictos entre realidad y fantasía</strong> han marcado a multitud de obras y autores posteriores, y especialmente en el terreno cinematográfico, como podemos comprobar a través de ejemplos como <em>Matrix</em>, <em>Abre Los Ojos</em>, <em>Dark City </em>o <em>Desafío Total</em>, que es una adaptación de su relato <em>Podemos Recordarlo Todo Por Usted</em>. Películas de mayor o menor celebridad y calidad, pero que en el fondo siempre caen en lo mismo: dejar apartados los discursos "dickianos" acerca de la condición humana en pro del espectáculo y la vistosidad de los elementos científicos de turno.<br />
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Porque la impresión que da la obra de Dick es que, <strong>más que preocuparse de si un determinado elemento científico podría ser creado por la ciencia, se preocupaba realmente de si podría ser concebido por el patetismo del hombre</strong>, de modo que tanto los autómatas o los tanques de semivida de <em>Ubik</em>, como las máquinas de empatía de Mercer o los animales artificiales de <em>¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?</em> (de momento sus dos únicos libros que he leído), son en el fondo <strong>gilipolleces </strong><strong>tecnológicas que sirven para demostrar nuestras fragilidades morales</strong>. Y <em>Ubik</em> es una obra moralista y discursiva a varios niveles, aunque para captarlo tengamos que esforzarnos en desentrañarlos a través de su entretenida historia llena de intriga y brutal ironía, y su sencillo y efectivo lenguaje sin adornos de ninguna clase.
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/UbikScreenPlay2.jpg" /></div>
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El mundo que nos describe Dick en <em>Ubik</em> es de <strong>un consumismo tan exagerado y divertidamente enfermo que alcanza la paranoia</strong>. En él, las habilidades psíquicas de los inerciales, los telépatas, los precogs y otros etcéteras son aprovechadas por motivos comerciales destinados al espionaje y al contraespionaje entre empresas, y los robots más cínicos y carentes de humor rodean a las personas hasta en los objetos más comunes y necesarios de la vida cotidiana. Todos y cada uno de los aparatos más mundanos, desde las cafeteras, los robots de limpieza, las máquinas expendedoras de tabaco o hasta las mismísimas puertas de las casas, son autómatas que sólo funcionan a base de monedas y vigilan que las personas no olviden las contribuciones por su uso so pena de denuncia, hasta el punto que para abrir una mísera puerta haya dos opciones: o pagar, o joderte.
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En este panorama es en donde se sitúan los protagonistas de esta historia, y en especial Joe Chip, paradigma del universo literario de Dick: un personaje mundano e inadaptado que acabará enfrentándose fuerzas inexplicables, puro “alter ego” del autor que tal vez refleje la situación de <strong>marginalización y rechazo</strong> a que el autor fue siempre sometido tanto en el campo literario como en el mismo terreno social. Chip, principal técnico de Runciter, es un antihéroe perfecto, un inadaptado lleno de fallos, temores e incapacidades al que siempre le falta dinero, que vive en una pocilga y que diariamente sufre encontronazos con los autómatas que le rodean intentando razonar con ellos en vano, dando como resultado unos divertidísimos y totalmente surrealistas diálogos entre él y dichos objetos, como las discusiones que mantiene con las tercas puertas de su apartamento. Y cuando sucede el primer punto de inflexión de la narración, tanto Chip como el resto de personajes de su grupo experimentarán situaciones encadenadas que los superarán infinitamente, incluyendo una magistral secuencia en que nuestro protagonista se enfrenta a su propia destrucción física y a la muerte, que es, desde el punto de vista literario, absolutamente alucinante y asfixiante.</div>
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Siguiendo de cerca conceptos como el "American Dreamin’" y amplificándolos hasta la abstracción, Dick nos sugiere que <strong>el consumismo, las modas, las tecnologías y demás cosas nos hacen vivir en un mundo ilusorio</strong> que con el tiempo no podremos saber diferenciar de la realidad, y <em>Ubik</em> es la historia de unos personajes que se ven obligados a evitar su propia "segunda muerte" gracias a la magia de un mero producto de consumo. Es algo así como una reviravuelta cínica del <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Mito_de_la_caverna" target="_blank">mito platónico de la caverna</a>, en que la realidad ilusoria de los habitantes de la cueva (del libro) se desmorona ya no porque hayan ganado el verdadero conocimiento, sino por mediación de incontrolables fuerzas externas, y con el añadido de que para ellos todavía persiste la duda de si el mundo del exterior de la cueva puede ser igual o más ilusorio que el anterior, en un laberinto de irrealidades que se superponen en diferentes niveles. Acabo de releer este último párrafo y me he dicho a mí mismo "...¿ein?", pero en fin, ahí queda. ;-)
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/ubik3.jpg" /></div>
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Y mientras tanto, la pregunta siempre permanecerá en el aire. <strong>¿Qué es Ubik?</strong> Allá fuera, en el mundo ¿real?, Ubik puede ser la simple excusa que ayuda a los mantenidos en semivida a evitar su progresivo deterioro mental. Allá dentro, en el onírico y abstracto mundo de la semivida, Ubik puede ser la representación metafísica de la salvación, de Dios, o de lo que coño sea, en la forma de un cómodo aerosol. Para el propio Dick, Ubik podría ser entendido como el sustrato único e inalterable del que parte el laberinto de realidades e ilusiones superpuestas en el que nos vemos inmersos (¿ein?). Y aquí fuera, para nosotros los lectores, en nuestro mundo ¿real?, Ubik puede ser todo ello, pero especialmente, la ironía máxima de cómo los productos de consumo salvan la vida de las personas.
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<strong>¡Brillante, Dick!</strong></div>
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<strong><br /></strong></div>
<span style="font-size: 85%;">[Reseña <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/08/19/leyendo-ubik-1969-de-philip-k-dick/">originalmente publicada</a> en <a href="http://peliculeros.wordpress.com/" style="font-weight: bold;">Peliculeros </a>el 19 de Agosto de 2008]</span>
</div>
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Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-88153993120237971042011-02-12T20:52:00.008+01:002011-02-16T18:39:17.342+01:00Fahrenheit 451 [ilustración]<p style="TEXT-ALIGN: center"><img border="0" alt="Photobucket" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6DtIlEbxxtRFV0NHVmRdlxoC6fc0TNAcXwSAxED29Wc-Rf5QDSK-jef_Cfkr5dHoZjfmF5mzijOtYBeGgBPtIyQGzoubjCKVhJ43ePGC9qsk5zuBfoY7zyYKYha7PO7LAcDcNmjmOsRA8/" /></p>
<p style="TEXT-ALIGN: left"><strong>Materiales</strong>: acrílicos.
<strong>Tamaño</strong>: 45x29 cm.</p><blockquote style="TEXT-ALIGN: justify"><strong>"</strong><em>Era un placer quemar.
Era un placer especial ver cosas devoradas, ver cosas ennegrecidas y cambiadas. Empuñando la embocadura de bronce, esgrimiendo la gran pitón que escupía un kerosene venenoso sobre el mundo, sintió que la sangre le golpeaba las sienes, y que las manos, como las de un sorprendente director que ejecuta las sinfonías del fuego y los incendios, revelaban los harapos y las ruinas carbonizadas de la historia. Con el simbólico casco numerado -451- sobre la estólida cabeza, y los ojos encendidos en una sola llamarada anaranjada ante el pensamiento de lo que vendría después, abrió la llave, y la casa dio un salto envuelta en un fuego devorador que incendió el cielo del atardecer, y lo enrojeció, y doró, y ennegreció. Avanzó rodeado por una nube de luciérnagas </em>(...)<em>, mientras los libros, que aleteaban como palomas, morían en el porche y el jardín de la casa. Mientras los libros se elevaban en chispeantes torbellinos y se dispersaban en un viento oscurecido por la quemazón.
Montag sonrió con la forzada sonrisa de todos los hombres chamuscados y desafiados por las llamas</em>.<strong>"</strong>
(De la traducción de Ediciones Minotauro; 2007).</blockquote><div style="TEXT-ALIGN: justify">Así comienza la poética distopía de 1953 de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Bradbury"><strong>Ray Bradbury</strong></a>, uno de los clásicos literarios del siglo XX (y adaptado al cine en 1966 por <strong><a href="http://www.imdb.com/name/nm0000076/">Francois Truffaut</a></strong>)... y así es la imagen que siempre me ha venido a la mente leyendo esas líneas.
</div><p align="center"><img border="0" alt="Photobucket" src="http://guillermopl.com/wp-admin/images/DIBUJOS/Art%20-%20fahrenheit4-det.jpg" /></p><p align="center">Detalle del emblema metálico del casco.</p><p style="TEXT-ALIGN: left"><span style="font-size:85%;">[Ilustración <a href="http://www.guillermopl.com/?p=1">originalmente publicada</a> el 14 de Abril de 2010 en <a href="http://guillermopl.com/"><span style="FONT-WEIGHT: bold">Ilustraciones Guillermo de la Peña</span></a>].</span>
</p>Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-65311176257043631832011-01-23T13:21:00.007+01:002012-12-01T13:07:49.647+01:00'Crónicas Marcianas' ('The Martian Chronicles'; 1950), de Ray Bradbury.<div style="text-align: justify;">
<strong>Nuestras miserias, allá donde vayamos.</strong></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWRnte2djR5JvvxNKmcvhEhMqyHAxbcPK3-JX0qU6dgDKCk-ynTRyb_eGD-Cp7wNV5meQ2iX8S1-vXMr_MtRyPszT01dSIpZEbQXoDlzc7hbCfcvlYewJ0k2sy4Egm6uoqFoEaYLDhD0c/s1600/cronicas_mar%5B1%5D.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWRnte2djR5JvvxNKmcvhEhMqyHAxbcPK3-JX0qU6dgDKCk-ynTRyb_eGD-Cp7wNV5meQ2iX8S1-vXMr_MtRyPszT01dSIpZEbQXoDlzc7hbCfcvlYewJ0k2sy4Egm6uoqFoEaYLDhD0c/s1600/cronicas_mar%5B1%5D.jpg" /></a><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Bradbury" target="_blank">Ray Bradbury</a> pertenece, tal y como es ampliamente considerado, a <strong>la vertiente más poética de la Ciencia-Ficción literaria</strong>. Algo por lo que fue y sigue siendo absurdamente criticado por algunos sectores, tan sólo por el hecho de buscar la belleza en su prosa y utilizar la ciencia apenas como vehículo de su ficción. Contrariamente a los estilos de otros autores del género, al autor no le interesa si en Marte el cielo no es azul o si el aire no es respirable, si la telepatía puede o no puede ser posible, o si el Sol sale del Este para ponerse en el Oeste. “<em>Yo no proporciono verbiarios a los matemáticos y a los físicos</em>”, se defiende el escritor. Nunca necesitó dar importancia o verosimilitud a los elementos científicos de sus relatos, porque lo que más importa en ellos es el mensaje y la reflexión, casi siempre con las elevadas cotas de misantropía que caracterizan al autor.
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<a name='more'></a><div style="text-align: justify;">
De este modo, en <em><strong>Crónicas Marcianas</strong></em>, Bradbury nos narró con gran aliento poético la progresiva colonización del Planeta Rojo por la humanidad, utilizando dicho suceso como una metáfora para reflejar <strong>los males de nuestra sociedad y de los tiempos en que vivimos</strong>, rezumando al mismo tiempo una gran melancolía.
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Ray Bradbury, nacido en 1920 y graduado en la escuela de secundaria <strong>Los Angeles High School</strong> en 1938, comenzó sus inquietudes literarias a la edad de 11 años. Desde su graduación hasta 1942, alternó su trabajo de vendedor de periódicos con su creación de relatos, consiguiendo publicar el primero en 1938 y los siguientes a través de diversas revistas como <em><strong>Futuria Fantasia</strong></em>, de su propia creación (y muchas veces con diferentes pseudónimos para "hacer más bulto"; qué listo el muy capullín). Finalmente, tras una etapa de cinco años en los que fue ascendiendo poco a poco con sacrificio y dedicación, 1943 fue el año en que se convirtió en escritor profesional gracias a la selección de <em>The Big Black And White Game</em> como el mejor relato del año en un concurso. A partir de ahí, acabaría consiguiendo la celebridad gracias a novelas o recopilaciones de relatos tan dispares como <em><strong>El Hombre Ilustrado</strong></em> (1951), <em><strong>El Vino del Estío</strong></em> (1957), y por encima de todas ellas su creación más célebre: <strong><em>Fahrenheit 451</em></strong> (1953); obras que, como vemos, fueron gestadas durante aquellos años tan celebremente tumultuosos y que al mismo tiempo fueron tan fértiles en términos literarios para el género.<br />
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<img alt="" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/Ray_Bradbury.jpg" style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt;" />Es también autor de numerosos ensayos y poemas (uno de ellos, <em>Christus Apollo</em>, fue convertido en una cantata por el gran compositor de bandas sonoras <strong>Jerry Goldsmith</strong> con la London Symphony Orchestra), guiones de televisión para las series <em><strong>Alfred Hitchcock Presenta </strong></em>y la excelente <em><strong>The Twilight Zone</strong></em>, y adaptó a Herman Melville al cine en el <em><strong>Moby Dick</strong></em> de <a href="http://www.imdb.com/name/nm0001379/" target="_blank">John Huston</a>. Hace unos años le fue entregada la <strong>Medalla Nacional de las Artes y las Ciencias</strong>, y por culpa de un infarto ocurrido en 1999, Bradbury lleva una vida obligatoriamente más reposada en silla de ruedas, pero con la ayuda de una de sus hijas, su actividad literaria todavía sigue en "On".
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Aunque esta ha sido mi primera lectura de <em><strong>Crónicas Marcianas</strong></em>, mi primer contacto tanto con esta obra como con el autor, muchos años atrás, se debió a la lectura obligada en el instituto de <em><strong>Antología del Cuento Literario</strong></em>, una genial compilación de relatos cortos de autores españoles y extranjeros de diferentes géneros, tipos y épocas. Como todos concordaréis, la primera reacción cuando somos obligados a leer un libro, y aún por encima en el instituto, es la de rechazarlo interiormente al tiempo que mentamos a la madre o incluso a la calavera del profesor de turno; y que por mucho de que se trate del mejor libro de la Galaxia o el mejor que leamos en nuestras vidas, bajo esas condiciones es muy complicado que algo llegue a gustar. A pesar de esto, curiosamente, esta recopilación fue de los pocos libros de lectura obligada que logré disfrutar en aquella época, hasta el punto que ha acabado marcándome. Gracias a ella descubrí a Poe, Conan Doyle... y entre muchos más, a Ray Bradbury con su relato “Los largos años”, uno de los últimos capítulos de <em>Crónicas Marcianas</em>. Ese fue uno de los textos que por aquel entonces más me gustaron de toda la <em>Antología del Cuento Literario</em>, y lo que más me sorprendió fue <strong>la gran melancolía que emanaba de la historia</strong>, equivalente a los desérticos horizontes de colinas y torres en ruinas de un Marte totalmente abandonado...
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/people_bradbury_2.jpg" /></div>
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Este profundo sentimiento de soledad inunda prácticamente todas las páginas de <em>Crónicas Marcianas</em>. La mayoría de sus diferentes capítulos, comenzando por esa breve preciosidad titulada “El Verano del Cohete”, conforman historias independientes las unas de las otras que no persiguen ninguna continuidad más allá de la cronológica. <strong>El racismo, la ambición, las travesuras de los niños, los sueños y esperanzas, el colonialismo, el arte, el amor por los seres queridos o el inherente instinto bélico de los humanos</strong> son conceptos que Bradbury desarrolla a lo largo de todos ellos, sazonándolos con una finísima ironía.
<br />
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<div style="padding-left: 30px; text-align: justify;">
<strong>“</strong><em><span style="color: grey;">Y cuando todo estuvo perfectamente catalogado, cuando se eliminó la enfermedad y la incertidumbre, y se inauguraron las ciudades y se suprimió la soledad, los sofisticados llegaron de la Tierra</span></em>.<strong>”</strong></div>
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Con algunas historia conseguimos reímos ante lo absurdo de algunas situaciones (“Los viejos”, “Los pueblos silenciosos”; incluyendo, por cierto, en el capítulo titulado “Usher II” un loquísimo homenaje en clave de sátira a nada menos que <strong>Edgar Allan Poe</strong>, fundamentado además en una sub-trama que será la que posteriormente le hará gestar <em>Fahrenheit 451</em>). Con otras muchas historias nos entristecemos ante la intensa sensación de soledad que desprenden (“Ylla”, “El marciano”, “Los largos años”), y con otras nos asustamos cuando reflexionamos sobre nuestro inherente carácter destructor , que conforma el principal punto de denuncia de este libro (“Aunque siga brillando la luna”, “Un camino a través del aire”). Se trata en definitiva de un genial compendio de capítulos muy variados que convergen hacia un <strong>final amargo</strong>, reflejo de las ansiedades vividas por la sociedad norteamericana durante aquellos tiempos de la Guerra Fría en que el libro fue escrito, y un <strong>epílogo precioso</strong> que finalmente supone un esperanzador reinicio (¿hasta qué punto optimista o pesimista?) del ciclo de nuestra historia.
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/WhelanMichaelMartianChronicles.jpg" /></div>
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Leyendo las poéticas páginas de <em>Crónicas Marcianas</em>, nos damos cuenta de que, en el fondo, <strong>el mundo que nos describe Bradbury no es el Planeta Rojo, sino una extrapolación de nuestro propio mundo construida con el motivo de plantear y denunciar nuestras miserias</strong>. Allá donde vayamos, sea el Nuevo Continente, Marte o el rincón más alejado del Universo, los humanos seremos siempre los mismos seres llenos de soledad y de maldad, y siempre condenados a tropezar con la misma piedra hasta la eternidad. “<em>La historia nunca perdonará a Cortés</em>”, afirma un personaje en uno de los relatos más importantes de este libro.
<br />
</div>
<div style="padding-left: 30px; text-align: justify;">
<strong>“</strong><em><span style="color: grey;">Por mucho que nos acerquemos a Marte, jamás lo alcanzaremos. Y nos pondremos furiosos, ¿y sabe usted qué haremos entonces? Lo destrozaremos, le arrancaremos la piel y lo transformaremos a nuestra imagen y semejanza</span></em>.<strong>”</strong></div>
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<br />
En resumen, una auténtica joya literaria que que recomiendo a cualquier tipo de lectores, incluidos quienes nunca han leído nada de Ciencia-Ficción.<span style="font-size: 85%;">
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<span style="font-size: 85%;"></span><br />
<span style="font-size: 85%;"><div style="text-align: justify;">
[Reseña <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/07/10/leyendo-cronicas-marcianas-the-martian-chronicles-1950-de-ray-bradbury/"><span style="font-weight: bold;">originalmente publicada</span></a> en el blog <a href="http://peliculeros.wordpress.com/"><span style="font-weight: bold;">PELICULEROS</span></a>, el día 10 de Julio de 2008].</div>
</span><span style="font-weight: bold;">
</span><br /></div>
</div>
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Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-56093988240595865402011-01-16T13:32:00.007+01:002023-01-23T12:36:22.618+01:00¿Dónde están los marcianitos de 'Inteligencia Artificial'?<div style="text-align: justify;">
<b>Viajemos, para los todavía despistados, al simbólico y melancólico mundo futuro de los súper-robots.<br /></b></div>
<div style="text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfeWm0sP8pSniIeDp1pdc7-NUFSoMnQaIho33rYlbi07mV-avDjnqyyP1d0b92tx9pdZmoClUILZ5OX7fe6PvSio0LtcHMwYGfIj9HSHO83ajmZ5kHVdp3JjuE-Vguu8MO6hGT85mbeclIpi5bqO_5fhDaTFk1THNSugGdEW8e_RIETpHMyE71y13c/s444/ai5%5B1%5D.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="187" data-original-width="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfeWm0sP8pSniIeDp1pdc7-NUFSoMnQaIho33rYlbi07mV-avDjnqyyP1d0b92tx9pdZmoClUILZ5OX7fe6PvSio0LtcHMwYGfIj9HSHO83ajmZ5kHVdp3JjuE-Vguu8MO6hGT85mbeclIpi5bqO_5fhDaTFk1THNSugGdEW8e_RIETpHMyE71y13c/s16000/ai5%5B1%5D.jpg" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="font-size: 100%;">Gestada durante años por el tandem <b>Stanley Kubrick</b>/<b>Steven Spielberg</b> y ambientada en un futuro no demasiado lejano en que la Humanidad da sus últimos estertores consumida por su propia deshumanización, <i>Inteligencia Artificial</i> (<i>A.I. Artificial Intelligence</i>) narra el angustioso periplo de David, un niño robot “más humano que los humanos” y capaz de amar más que ellos, movido por el amor hacia su madre en su intención de querer ser un niño de verdad.</span>
<br />
<a name='more'></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: 100%;">Sin cortarme un pelo, se trata de <b>una auténtica obra de arte</b> que, espero, tarde o temprano acabará por ser ampliamente reconocida ya no sólo por sus obvias y más que impecables virtudes técnicas, sino también por la profundidad de su discurso filosófico de fondo. Aunque, para ello, es vital que la película en cuestión logre despojarse de una cierta serie de preconceptos, muy habituales en el cine de Spielberg, que han impedido que muchos espectadores lleguen a comprender la moraleja de la misma, que acaba por consolidarse en un tercer acto en el que hacen aparición <b>unos seres que todavía muchos piensan que son alienígenas…</b></span><br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
<!--more--></div>
<div style="text-align: center;"><br />
<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/ai4.jpg" /></div>
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<span style="font-size: 100%;">Una de las críticas más comunes hacia esta película tanto en su época de estreno como ahora, ocho años después, es que “hubiese quedado mejor” si concluyera definitivamente tras la escena en que el pequeño David permanece congelado por toda la eternidad en las aguas frente a la figura del Hada Azul, al final del segundo acto. Así, muy poca gente llega realmente a conectar con la última media hora de la película por considerarla bizarra e innecesaria. Se suele pensar que, al ser una película de Spielberg, y tras el precedente de otras como <i>Encuentros en la Tercera Fase</i>, <i>E.T</i>. y posteriormente <i>La Guerra de los Mundos</i>, esos misteriosos seres (que además, no olvidemos, se nos presentan altos, delgadísimos, de un tono verdoso y navegando en misteriosos artefactos aéreos) tienen que ser extraterrestres <i>por cojones</i>. Incluso se pueden llegar a leer y oír disparates todavía mayores, cimentados en el falso hecho de que como esa idea de los aliens “suena más a Spielberg que a Kubrick” (seguramente olvidando que este es el responsable de <i>2001: Una Odisea del Espacio</i>), entonces Spielberg pervierte el legado de Kubrick al no poder evitar dotar a la película de sus supuestas obsesiones particulares, que son los extraterrestres y los finales felices. Ambos meros tópicos, como veremos.</span><br />
<span style="font-size: 100%;"> </span>
<span style="font-size: 100%;"></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 100%;">En el fondo, es normal que a muchos de nosotros nos descolocara el inicio del tercer acto en nuestro primer visionado de la película. Yo mismo, si he de ser sincero, llegué a creer durante casi un año tras su estreno (y habiéndola visto tan sólo una vez) que quienes aparecen en el tercer acto son alienígenas. Lo que sucede, realmente, es que <b>no hay extraterrestres en <i>Inteligencia Artificial</i>, sino</b><b> robots súper-evolucionados</b>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: 100%;"><b>“</b><i>Sufrimos por los errores que ellos cometieron porque cuando llegue el final sólo permaneceremos nosotros. Es por eso que nos odian</i><b>”</b>. Es en esta frase de suma importancia, pronunciada por un oracular Gigoló Joe (Jude Law) en cierto momento cerca del fin del segundo acto del film, donde reside <b>la clave del tercer acto</b>.</span><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: 100%;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="Photobucket" border="0" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/AI2.jpg" /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Diseño conceptual del proyecto en el que claramente se refiere a los seres como robots</i>.
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Milenios después de la desaparición del Ser Humano, los últimos restos conscientes de su creación, la Inteligencia Artificial, logran alcanzar la cima de la escala evolutiva. Pero a imagen y semejanza de sus mismos creadores, y de un modo que resulta arrebatadoramente poético, acaban por adquirir su mismo estado de soledad existencial porque también son <b>seres capaces de hacerse preguntas sobre sí mismos</b>, algo que irremediablemente va parejo con el don de la consciencia. Y de un modo similar a lo que sucede en esa obra maestra del cine titulada <i>Blade Runner</i> (leed nuestra reseña <b><a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/07/18/critica-blade-runner-el-montaje-final-blade-runner-the-final-cut-19822007-de-ridley-scott/">AQUÍ</a></b>), regresan a sus orígenes en busca de sus creadores (o lo que es lo mismo, en busca de Dios) y de respuestas: sueño utópico que finalmente termina por representar el pequeño David, el “eslabón perdido” entre unos y otros.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Así, la película se convierte en su tercer acto en un bello relato alegórico de nosotros mismos, entre muchas otras cosas. Una vez captamos el detalle, allí donde antes creíamos ver la forma de marcianos, no vemos otra cosa que robots: la misteriosa luz cuasi-eléctrica del interior de sus cuerpos translúcidos, las imágenes que reflejan sus rostros a modo de pantallas, el método de compartir información en cadena por medio del contacto físico... Pero, más allá de lo visual, captamos también la <b>lógica</b> de la ironía narrativa de este giro argumental en contraposición con la absurda teoría de los marcianos, pues durante las casi dos horas previas del metraje se nos va preparando para esa resolución de un modo razonado y consecuente en el que todo tiene sentido. Y por si fuera poco, también por medio de lo subliminal: si os fijáis en la fotografía que encabeza este post, la maravillosa escena de presentación de David en plano desenfocado es un sagaz guiño que, al aportarle esa <b>figura estilizada</b>, nos recuerda a la forma definitiva que tendrán los robots en el futuro. Cosa que también sucede con la estilizada figura escultórica que hace de <b>símbolo de la empresa Cybertronics</b>, y que constituye precisamente el primer recuerdo de las memorias de David.<br />
</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/ai1.jpg" /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<span style="font-size: 100%;"><i>Inteligencia Artificial</i> no es, ni nunca ha sido, un film de palomitas, sino una visión crítica sobre nuestro futuro y una profunda reflexión acerca de la desesperada condición del hombre y el afecto que nos consigue definir como humanos. Pero para conseguir entender esto, hay que estar muy atentos a la película, que no es de apenas un único visionado, y por supuesto estar libres de esa clase de preconceptos hacia el cine de su autor. <b>Lo mismo sucede con su final</b>, demasiado meloso y ñoño bajo la opinión de muchos pero que, a años-luz de ser un final feliz, esconde una angustia abismal muy consecuente con la tragedia que es la historia del pequeño David; un ser que, parafraseando a mi admirado crítico luso Tiago Pimentel, <b>“</b><i>tan sólo busca ser amado para conquistar su derecho a ser humano. Y, como en las grandes tragedias, eso sólo es posible a través de la última gran prueba de humanidad: la muerte</i><b>”</b>. Ciertamente, un final demoledor.</span><br />
<span style="font-size: 100%;"> </span>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 100%;">Comprendiendo estos puntos, descubrimos que a <i>Inteligencia Artificial</i> no le sobra ni un solo segundo de su tiempo de duración, y que probablemente se trata de uno de los films más incomprendidos del cine, sufridor de un “efecto Blade Runner” tras el cual seguro que acabará por ser reivindicado como la obra maestra que es.</span></div>
<div style="text-align: center;">
<br />
<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="https://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/ai3.jpg" /></div>
<br />
<span style="font-size: 85%;">[Reseña <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2009/01/17/%C2%BFdonde-estan-los-marcianitos-de-inteligencia-artificial/">publicada originalmente</a> en el blog <a href="http://peliculeros.wordpress.com/"><span style="font-weight: bold;">Peliculeros</span></a> el 17 de enero 2009]</span>Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-64631861123505323392010-11-14T19:47:00.018+01:002022-12-24T18:56:29.536+01:00¿Es Deckard un replicante? 'Blade Runner: The Final Cut' (1982 / 2007), de Ridley Scott.<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGhiHapbtGbsAeI41Lt3GsYUYRpEMfc1LJhKBk0eRaujTCHfleSoKMNtje7N7gz6EUvPxq2181VjTWjhQToad8uuA6VGK1BDmeNnxAaH6JRx2q3KQWYq_gT__4_gIU7AYaIcPE9bTZF5w/s1600/poster07%5B1%5D.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGhiHapbtGbsAeI41Lt3GsYUYRpEMfc1LJhKBk0eRaujTCHfleSoKMNtje7N7gz6EUvPxq2181VjTWjhQToad8uuA6VGK1BDmeNnxAaH6JRx2q3KQWYq_gT__4_gIU7AYaIcPE9bTZF5w/s1600/poster07%5B1%5D.jpg" width="0" /></a></div>
<b>Un relato acerca de lo que nos define como humanos.</b></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="color: green; font-size: 130%;"><b>INTRODUCCIÓN:</b></span> <span style="color: green;"><b>Una experiencia personal.</b></span></div>
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<img alt="" border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGhiHapbtGbsAeI41Lt3GsYUYRpEMfc1LJhKBk0eRaujTCHfleSoKMNtje7N7gz6EUvPxq2181VjTWjhQToad8uuA6VGK1BDmeNnxAaH6JRx2q3KQWYq_gT__4_gIU7AYaIcPE9bTZF5w/s1600/poster07%5B1%5D.jpg" style="float: left; height: 303px; margin: 0pt 10px 10px 0pt; width: 200px;" />La sala de cine está totalmente en oscuridad. Suena un lejano sonido de percusión, y unos créditos iniciales comienzan a aparecer en pantalla, mientras una melodía electrónica, pausada, ascendente y descendente como una respiración, nos va preparando para lo que circulará ante nuestros ojos durante las siguientes dos horas. Una tremenda explosión de fuego nos sorprende, y en apenas un segundo, somos transportados a la infernal <b>Los Ángeles del año 2019</b>. Un turbio horizonte de altas y oscuras torres, con más explosiones por aquí, y por allá. Un vehículo aéreo <i>Spinner </i>pasa junto a nosotros con un sonido intenso. Al fondo, vislumbramos unas inmensas construcciones semejantes a los templos de un Dios, y de repente, el ojo del mismísimo ángel caído Roy Batty llena la pantalla mientras, tras descender de los cielos, contempla el infierno extendido ante él, como un reflejo de la fascinación del espectador ante un inicio fílmico tan sugerente y poético al son de la magistral composición de Vangelis.</div>
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Viendo <i>Blade Runner</i> en el cine, las sensaciones se amplifican, y sentimos más miedo que nunca ante esa imagen de un futuro equivalente al fin de la humanidad. Un futuro tan distante, oscuro y pesimista, y al mismo tiempo tan cercano y tangible, en el que los seres humanos han perdido hasta la noción de su propia muerte y de un tiempo que nunca es suficiente. Vemos cómo un cínico "Bladerunner" llamado Rick Deckard (<b>Harrison Ford</b>) le demuestra a una replicante sin conocimiento de serlo llamada Rachel (<b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0000707/" target="_blank">Sean Young</a></b>) que no es humana y que todos sus recuerdos y experiencias no son reales... y sentimos la mayor de las tristezas existenciales por ella. Vemos cómo un confuso Deckard colecciona recuerdos, sueña inconscientemente con la inmortalidad, y que de tan perdido no se da cuenta de que las constantes de los replicantes a quienes persigue son las constantes que también lo definen a él mismo... y sentimos empatía hacia él. Viendo <i>Blade Runner</i> en el cine, <b>nos sentimos más dentro de la película que nunca</b>, errando a través de esas sucias calles atestadas de individuos que van a lo suyo, respirando aire tóxico y enrarecido entre columnas de vapor y humo en una noche perpetua, rodeados de luminosos rótulos orientales, publicidad desmesurada, y protegiéndonos de la lluvia con nuestros paraguas luminosos. Alzamos la mirada hacia donde el cielo siempre es oscuro, y entre innumerables anuncios videográficos que nos incitan al uso del tabaco y los anticonceptivos para intentar controlar la superpoblación, una voz electrónica desde un aeroplano nos suiere huir hacia las colonias del “Off-World", el Mundo Exterior, donde hay terrenos libres, aire puro y oportunidades de vida. Pero en el fondo, sabemos que nunca podremos alcanzar ese sueño utópico y salir de este pedazo de roca industrializada y en decadencia llamada Tierra.</div>
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br11.jpg" /></div>
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He perdido la cuenta de las veces que habré visto esas mismas imágenes durante los últimos años, pero lo que no olvidaré es que nunca antes de contemplarlas en la pantalla grande las había sentido de tal modo. Alcanzando un especial punto máximo durante la secuencia final en el Edificio Bradbury: el enfrentamiento final entre Deckard y <b>Roy Batty</b> (<b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0000442/" target="_blank">Rutger Hauer</a></b>) en el que el cazador se convierte en la presa. Una secuencia que emana de principio a fin <b>un amplísimo catálogo de sensaciones</b> como la locura, el miedo, la desesperación, el dolor físico, el dolor espiritual, la nostalgia... e incluso el <b>amor</b>. El amor de los replicantes por sus congéneres, por sus recuerdos y sus sentimientos. Y no sólo amor por la vida de cada uno... sino por todas. El fascinante Roy Batty, esclavo y ángel caído, concluye su trágico periplo personal habiendo alcanzado la mayor cota a la que puede aspirar la humanidad<b>: la empatía</b>. Y con ello, se prepara para aceptar su propia muerte, finalizando la secuencia con uno de los pasajes cinematográficos más evocadores que he visto en mi vida.<br />
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¿Qué esconde <i>Blade Runner</i>? ¿Qué oculta su aparente simplicidad argumental de corte “noir”, en la que un policía “Bladerunner” debe dar caza y “retirar” a cinco replicantes fugados y ocultos en una caótica Los Angeles del año 2019? ¿Qué la hace tan trascendental y poética? Intentemos llegar a alguna conclusión; pero antes de introducirnos en temas de tal profundidad, hagamos un repaso a la turbulenta historia de las distintas versiones por las que esta historia tuvo que atravesar.<br />
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<span style="font-size: 130%;"><b><span style="color: green;">1 - RODAJE y VERSIONES</span></b></span><br />
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<img alt="Photobucket" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br5.jpg" /><i> </i></div>
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<i>"Ridli" Scott junto a un </i>Spinner<i>, en 1982.</i><br />
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Ridley Scott, que venía del infructuoso proyecto de <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2007/12/28/otro-dune-cinematografico-in-works/">trasladar <i><b>Dune</b></i> a la gran pantalla</a> con la producción de Dino DeLaurentiis, aceptó encargarse del filosófico guión de <b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0266684/" target="_blank">Hampton Fancher</a></b> y retocado por <b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0672459/" target="_blank">David Webb Peoples</a></b>, basado bastante libremente en la obra de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Philip_K._Dick"><b>Philip K. Dick</b></a> <i>¿Sueñan los androides con ojejas eléctricas?</i> Se iniciaba, de esta forma, un complejo rodaje que fue un cúmulo de avatares en el que prácticamente todo se le fue viniendo encima: problemas de financiación con los desconfiados productores, malas relaciones entre los actores, choques de ego, quejas de miembros del equipo hacia Scott, la apatía de un Harrison Ford hastiado de un rodaje aburrido y de un personaje que a cada nueva revisión de guión perdía heroicidad a pasos agigantados, e incluso el creciente parkinson de un <b>Jordan Cronenweth</b> (director de fotografía) cada vez más enfermo.<br />
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Una vez completado el complejo trabajo, por si fuera poco, Scott se vio ante la obligación por parte de los productores de mutilar su propio film, dado que el resultado final era demasiado oscuro y pesimista para los gustos acomodados de estos, temiendo que tanta complejidad y frialdad repercutiera negativamente en taquilla. La polémica<b> escena del sueño del unicornio</b>, que Scott rescataría en 1992, fue la primera secuencia en ser eliminada del montaje por ser "demasiado artística" y creer que no concordaba con el tono general. En este punto, se hace necesario insistir en la originalidad de dicha escena, pues<b> uno de los bulos más grandes</b> generados a lo largo de internet en relación a <i>Blade Runner</i> afirma que se trata de <b>una escena eliminada de un largometraje posterior de Scott, <i>Legend </i></b>(1984), y que la idea de incluirla para dar una vuelta de tuerca al personaje de Deckard le vino a la mente en 1992. Sin embargo, estas afirmaciones son totalmente erróneas. No sólo la música de Vangelis que acompaña a esa escena es original de la época y no pertenece a ningún otro momento del film; también existen publicaciones de 1982 en las que el mismo Scott se refiere a la existencia de dicha escena antes de ser eliminada, y al propio mensaje que sugiere: que Deckard es un replicante, como analizaremos más adelante. De esta manera, las decisiones de los productores lograron acabar no sólo con la consistencia del film en su descripción de replicantes y humanos, sino con el golpe de ironía del final.<br />
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<img alt="Photobucket" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/UNICORNDREAM.jpg" /><i> </i></div>
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<i>La escena del Unicornio es <b>original </b>y <b>NO </b>pertenece a la película </i><b>Legend</b>.<br />
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Otro de los grandes cambios a los que fue sometido el primer montaje consistió en la inserción de <b>numerosos monólogos de voz en off </b>del protagonista con la excusa de querer aportar al film un tono más "noir". Unos monólogos incómodos y redundantes cuyo único propósito era explicar lo que ya se sugería a través de las imágenes y que no hace falta explicar, haciendo de esta forma un film menos críptico y complicado, tal vez por causa de ese temor tan fuertemente arraigado en Hollywood a que los espectadores se vean obligados a pensar y deducir por ellos mismos. Por si fuera poco, un último cambio fue la inclusión de un lamentable <b>final feliz</b> en la peor tradición del cine comercial, mostrándonos a los dos protagonistas juntos y felices con el objetivo de que los espectadores salieran del cine con una sonrisa en sus rostros. Para tal, se hizo uso de una explicación metida con el más grande de los calzadores (“<i>Tyrell me dijo que Rachel era especial</i>...”) y de escenas aéreas que eran meros descartes del inicio de <i>El Resplandor</i> de Kubrick, sin que se nos explicara de dónde sale ese impresionante paisaje verde, natural, boscoso y de aire puro, si a lo largo de todo el metraje se ha reiterado la idea de un mundo superpoblado y contaminado en su totalidad.<br />
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Estrenada en 1982, esta fue la versión que todos pudieron ver en cines, en televisiones y en su distribución en vídeo. Curiosamente, se trata de una versión que, hoy en día, bastante gente continúa considerando como la única y verdadera de <i>Blade Runner</i> aún a sabiendas de que fue el resultado de una mutilación ejecutada por los productores por motivos estrictamente comerciales; opinión supongo que debida, al menos en la mayoría de los casos, a conceptos subjetivos como la nostalgia o la costumbre. El total fracaso de taquilla y de crítica del film en el momento de su estreno es de todos bien conocido. Pero con el paso de los años, comenzó a alzarse entre un número cada vez más amplio de entornos y personas que descubrían que se trataba de una película <b>más profunda de lo aparente</b>.<br />
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br8.jpg" /></div>
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<br />1992 fue el año en que para celebrar el décimo aniversario de <i>Blade Runner</i> y editarla por primera vez en DVD, Ridley Scott se propuso a realizar las oportunas modificaciones para enseñar al mundo aquella que debería haber sido su propia visión del film, pudiendo por fin eliminar los elementos impuestos. Esto se debió a la fortuita aparición en los archivos de la Warner de una copia en mal estado de la secuencia inédita del unicornio, que al ser añadida acabó por desatar la polémica. El montaje fue conocido como <i><b>Blade Runner: The Director’s Cut</b></i> (<i>el Montaje del Director</i>). Pero a Scott no le fue concedido el tiempo suficiente para realizar todo cuanto tenía planeado, ni siquiera para restaurar debidamente la secuencia reaparecida, dando como resultado un “Montaje del Director” que en realidad lo era a medias, y que aunque otros pusieran las palabras en su boca, él jamás reconoció como tal.<br />
<br /></div>
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Toda esta larga historia de batallas concluyó el pasado 2007 en el 25 aniversario de la película, una vez los derechos del film se vieron libres de las manos de Jerry Perenchio y los demás productores. Así, <i><b>Blade Runner: The Final Cut</b></i> (<i>el Montaje Final</i>) es la versión supuestamente definitiva de esta obra maestra, gozando de una impecable limpieza de sonido e imagen (aún a costa de perder el ya familiar tono azulado de la fotografía por un tono más verdoso, que aporta al film un aspecto tal vez menos "bonito”, pero más opresivo y “tóxico”), y en la que se han ocultado digitalmente elementos como los cables de los <i>Spinners </i>aéreos, y especialmente solucionado los numerosos errores de continuidad del metraje: el rostro de Zhora (<b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0001026/" target="_blank">Joanna Cassidy</a></b>) en la escena de su muerte, la boca de Harrison Ford durante su breve diálogo con el vendedor de serpientes, el primer plano de Roy en la cabina telefónica, etc. Una versión que probablemente salga a la luz en el dichoso formato 3D en un futuro próximo, pero sin ninguna modificación más allá del traspaso a este sistema.<br />
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<span style="color: green; font-size: 130%;"><b>2 - CINEMÁTICA</b></span><br />
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br9.jpg" /></div>
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<br />Al hablar de <i>Blade Runner</i>, es imposible no referirse a la pulcritud que manifiesta en todos sus apartados técnicos. La atmósfera del film se ha convertido en una de las más conseguidas e influyentes del cine moderno; una perfecta envoltura conseguida gracias a la unión de la fotografía del gran <b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0005675/" target="_blank">Jordan Cronenweth</a></b>, con esas gamas cromáticas de la ciudad y ese magistral uso de los claroscuros con los haces de luz; el <b>diseño artístico</b> del film, fantástico a la vez que verosímil (algo muy complicado de conseguir cuando hablamos de ciencia-ficción) gracias a la irrepetible unión de la imaginación del diseñador “futurista” <b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0574927/" target="_blank">Syd Mead</a></b>, la del propio Ridley Scott y muchos más; la música de <b>Vangelis, </b>quien cohesiona todos estos elementos gracias a una partitura orgánica rica en infinitas variedades de sonidos, estilos, texturas y sensaciones; y por supuesto la planificación y dirección del cineasta británico, muy alejado de sus tristes toques "videocliperos" de la actualidad. Ese perfecto equilibrio, logrado entre la extrema preocupación de Scott por todos los aspectos estéticos de la imagen y los recursos más aparentemente simples de un tipo de cine más impresionista y contenido, hace que se trate de una de las pocas películas de dicho director (al lado de <span style="font-style: italic;">Los Duelistas</span> y de esa otra obra maestra titulada <i>Alien</i>) que no se ponen en entredicho por quienes vemos con escepticismo el resto de su filmografía hasta nuestros días.<br />
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Toda esta pureza artesanal sirvió, por otro lado, para redondear el ya de por sí buen trabajo de guión de Fancher y Peoples, excelente tanto en los grandes -y reales- conocimientos científicos en materia de genética que maneja, como por la magnitud de su mensaje y la poesía de su final.<br />
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<span style="font-size: 130%;"><b><span style="color: green;">3 - FILOSOFÍA y SIMBOLOGÍA</span></b></span><br />
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br2.jpg" /></div>
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<br />Otra de las grandes cualidades de <i>Blade Runner</i>, si no la que más, es suponer una disertación acerca de cuestiones filosóficas de primer grado, implícitas en nosotros, y que nos llevan atormentando desde que la humanidad adquirió el uso de la razón; así como por hacer que el espectador se sumerja tras su visionado en un tormentoso mar de preguntas sin respuesta acerca de la existencia (“¿de dónde venimos?”), nuestra propia identidad (“¿qué somos?”), y el final al que nos conducen nuestros caminos (“¿a dónde vamos?”, “¿cuánto voy a durar?”), algo que pocas películas como <i>2001 Una Odisea Del Espacio</i> de Kubrick (manteniéndome dentro del género) consiguen transmitir.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Asimismo, <i>Blade Runner</i> es un film que juega mucho con el simbolismo. El grandísimo número de detalles, imágenes o elementos metafóricos y alegóricos que contiene, o que en su defecto creemos ver, refuerzan de alguna forma las cuestiones explicadas en el anterior punto y, al mismo tiempo, aportan a la película otro tipo de mensajes, como el <b>religioso </b>(las continuas referencias al <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Paraiso_perdido"><i>Paraíso Perdido</i></a> de Milton y el mito del ángel caído, el infierno representado en la ciudad de Los Ángeles, el énfasis de la película en los ojos y en el concepto de la inmortalidad, el intenso teocentrismo que rodea a la figura de Eldon Tyrell (Joe Turkell), el replicante Roy Batty presentándose ante su creador en busca de las Grandes Respuestas y su posterior descenso metafórico a los infiernos en el elevador, la paloma blanca ascendiendo tras su muerte, etc.), el <b>mitológico </b>(el tantas veces tocado discurso de la creación contra su creador… o en esencia el del Hombre contra Dios) e incluso el mensaje <b>“Nietzschiano”</b> (la muerte de Dios -Roy Batty matando a Tyrell- y la posterior consecución del "Superhombre" -las muestras de su poderío físico y su plena conciencia empática final-).<br />
<br /></div>
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<span style="font-size: 130%;"><b><span style="color: green;">4 - PROFECÍA</span></b></span><br />
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br2-1.jpg" /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />Como tercer cualidad, podríamos destacar <i></i>su <b>minuciosa visión sociopolítica</b> y, como se suele decir, lo bien que veinticinco años atrás supieron anticiparse a problemas de triste actualidad. Pongamos como ejemplos la globalización, el hermetismo individual, la contaminación ambiental, la extinción progresiva de especies animales, la búsqueda cada vez más necesaria de lugares mejores que el mundo que nos rodea (las colonias del "Off-World"), las enfermedades y su cruel aprovechamiento con fines comerciales (tal es una de las posibles lecturas del caso de J.F. Sebastian y su dolencia degenerativa, posiblemente aprovechada para el control de los replicantes), la corrupción de elementos culturales como el lenguaje (ese idioma urbano, amalgama de muchos otros) o las tradiciones (esas Geishas fumando y tomando anticonceptivos), la cada vez mayor dominación de oriente sobre occidente, la inmigración (¿qué es Deckard sino un agente encargado de cazar y "retirar" -brillante eufemismo- a inmigrantes ilegales?), los peligros de jugar a ser Dios con la ciencia, el auge de los sistemas totalitarios más o menos encubiertos (la continua presencia de policías por las calles de la ciudad), y hasta el perenne uso del esclavismo (los replicantes en las colonias). Todo ello un fiel reflejo de problemas a los cuales no sólo no hemos encontrado solución, sino que cada vez están más y más presentes.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><span style="color: green;"><span style="font-size: 130%;">5 - REALIDAD e IDENTIDAD:</span> ¿Es Deckard un replicante?</span></b><br />
<br /></div>
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br7.jpg" /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />Finalmente, y no por ello menos importante, la otra gran cualidad es la <b>confusión de identidades</b> de los protagonistas y lo magistralmente bien utilizada que está a lo largo del metraje de cara al espectador. Una trama que, al lado de la descripción que se hace de la aséptica sociedad humana del futuro, es probablemente el más importante punto de contacto del film con la obra literaria en general de Philip K. Dick.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando comienza <i>Blade Runner</i>, creemos que los replicantes son algo semejante a cyborgs asesinos sin piedad. Sin embargo, cuando concluye, acabamos con la sensación no sólo de que así son en realidad los humanos, sino que la línea que separa ambas identidades (humana y replicante) es tan fina que tal vez ni siquiera exista, pues ambas funcionan a modo de <b>metáfora del ser humano</b>, diferenciando entre quienes han perdido todo rasgo de humanidad y quienes todavía son capaces de sentir como tal. Para intentar analizar este proceso de "metamorfosis" de replicantes que acaban por ser más humanos que los propios humanos, debemos meternos de lleno en la célebre y persistente polémica que atañe desde 1982 al personaje principal: ¿es Deckard un replicante, o es un humano? Y para tal, debemos regresar a la anteriormente mencionada escena del Unicornio. En el <a href="http://www.faqs.org/faqs/movies/bladerunner-faq/">Blade Runner FAQ</a> se destacan, a propósito de la misma, las siguientes interesantes y reveladoras <b>declaraciones de Ridley Scott</b> publicadas en el reportaje "The Blade Cuts", del número 51 de <b>Noviembre de 1982</b> de la revista inglesa <b>Starbust</b>:</div>
<blockquote>
<div style="text-align: justify;">
<b>Scott</b>: ...<i>has visto la versión [del guión] con el unicornio?</i> </div>
<div style="text-align: justify;">
<b>McKenzie</b>: <i>No</i>... </div>
<div style="text-align: justify;">
<b>S</b>: <i>Creo que la idea del unicornio es fantástica...</i> </div>
<div style="text-align: justify;">
<b>M</b>: <i>La diferencia obvia es que el mismo Deckard es un replicante.</i> </div>
<div style="text-align: justify;">
<b>S</b>: <i>Si. Es lógico, en particular si estás haciendo un film noir, puedes seguir en esa línea, y que el personaje central pueda, de hecho, ser lo que persigue</i>... </div>
<div style="text-align: justify;">
<b>M</b>: <i>¿Has rodado ya la escena en el claro con el unicornio?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>S</b>: <i>Totalmente. Se recortó en la película, y creo que funcionaba a la perfección. Deckard estaba sentado, tocando el piano bastante mal por estar bebido, hay un momento en que se queda traspuesto y entramos en las escenas del unicornio surgiendo del bosque. No es subliminal, pero es una escena muy corta. Volvemos a Deckard y no hay absolutamente reacción ante eso, simplemente la escena sigue. Ahí es donde reside toda la idea del personaje de Gaff con su papiroflexia -- la gallina y el pequeño hombre "empalmado", de manera que la figura del unicornio te dice que Gaff ha estado allí. Una de las interpretaciones de la película se refiere a pensamientos privados y recuerdos, así que ¿cómo sabía Gaff que ciertos pensamientos propios de Deckard eran sobre un unicornio? Es por ello que Deckard sacude su cabeza así [refiriéndose al asentimiento de Deckard tras recoger el unicornio de papel]."</i> [...] </div>
<div style="text-align: justify;">
<b>M</b>: <i>¿Te desagrada que las referencias a que Deckard sea un replicante ya no estén?</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>S</b>: <i>La sugerencia sigue ahí. ¡Los franceses la pillaron en seguida! Creo que es interesante que pueda serlo</i>. (Fuente: <b><a href="http://www.faqs.org/faqs/movies/bladerunner-faq/">Blade Runner FAQ</a></b>).</div>
</blockquote>
<div style="text-align: justify;">
La respuesta a la polémica pregunta sobre la identidad de Deckard es, indudablemente, <b>sí</b>. La versión original del film de 1982 eliminaba la escena clave de esta sugerencia, pero mucho antes de la aparición del montaje de 1992, las sospechas ya habían comenzado a extenderse entre los aficionados gracias al gran número de detalles del film que respaldan este hecho. Como tampoco es concluyente, podemos afirmar que esta versión manipulada mantiene una cierta ambigüedad, dejando la respuesta al antojo de las preferencias de cada uno. No obstante, en la versión definitiva de <i>Blade Runner</i> que es el<i> Final Cut</i>, esta idea se presenta de una forma muy clara.<br />
<br /></div>
<div style="padding-left: 30px; text-align: center;">
<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br6.jpg" /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />Para empezar, hay ciertos detalles repartidos a lo largo del metraje que funcionan a modo de <b>indirectas dirigidas al espectador</b>: no sólo la pregunta de Rachel sobre si alguna vez Deckard se ha aplicado el test a sí mismo, o la frase del jefe Bryant “<i>Vamos, Deck, necesito al viejo Bladerunner</i>”. También se nos dice que los replicantes coleccionan “preciadas fotografías”, y el piano de Deckard está totalmente cubierto de recuerdos y memorias de esa clase. Por no mencionar la escena en que, muy sutilmente, al Bladerunner le resplandecen los ojos como sucede con los demás seres artificiales mostrados en el film.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En segundo lugar, existe otra serie de detalles a los que la gente no les suele prestar atención y pasan desapercibidos. Conforman la notable <b>transformación psicológica de Deckard a lo largo del metraje</b>, quien, por explicarlo sirviéndome de la ironía del film, <b>se humaniza “pasando de humano a replicante”</b>. Cuando comienza la película y no tenemos ningún motivo para pensar que Deckard puede ser un replicante, se comporta tal y como los demás humanos: es una persona fría, metódica, solitaria e incluso cruel, carente de empatía. No obstante, a medida que se desarrollan las situaciones a las que se ve enfrentado (y mientras, paralelamente, comprobamos que los replicantes son cada vez más un cúmulo de emociones y se muestran, tal y como dice el lema de la Tyrell Corporation, <b>“<i>más humanos que los humanos</i>”</b>), Deckard comienza a mostrar progresivamente sus sentimientos: el miedo, el dolor, las dudas sobre sus propios métodos... y el amor.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No puede, por lo tanto, ser un humano por la sencilla razón de que estos, todos, son descritos como una sociedad de seres deshumanizados. Y si lo fuera, Deckard representaría entonces una especie de excepción heroica a la regla que, admitámoslo, conduciría el mensaje de la película hacia un callejón sin salida. Ese hipotético toque Hollywoodiano de “última esperanza” representado por un humano que todavía conservara su esencia, no casaría en absoluto en una película como <i>Blade Runner</i>. Deckard es un replicante porque, de este modo, todas las piezas mostradas y sugeridas a lo largo del film encajan a la perfección.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br10.jpg" /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br />Y en tercer lugar está, claro, la anteriormente referida <b>escena del sueño del unicornio</b>, y la conclusión final con el origami que Gaff (<b><a href="http://www.imdb.com/name/nm0001579/" target="_blank">Edward James Olmos</a></b>) deja a las puertas del apartamento. Las tres figuritas de papel que este misterioso personaje (el más “Orwelliano” del film, pues no deja de vigilar todos los movimientos de Deckard apareciendo en todos los puntos de inflexión del guión) hace en la película, <b>son representaciones de los estados psicológicos de Deckard</b> en cada momento. La gallina que hace en la comisaría al principio del film tiene que ver con la negativa de Deckard de aceptar la misión, sugiriendo que no lo hace por cobardía. La segunda figurita, la del hombrecillo con el <i>miembro </i>izado al viento, quizás quiere sugerir que Gaff conoce los sentimientos internos que Deckard ha comenzado o eventualmente comenzará a sentir por Rachel. Y finalmente tenemos el unicornio, ser mitológico símbolo de la eternidad, y que nos deja al mismo tiempo tres mensajes distintos:<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="padding-left: 30px; text-align: justify;">
<b>1)</b> Gaff sabe de la preocupación de Deckard por la efímera vida de Rachel (“<i>¡Es una pena que ella no pueda vivir!</i>”);</div>
<div style="padding-left: 30px; text-align: justify;">
<b>2)</b> ha estado en el apartamento de Deckard, pero les da una oportunidad de vivir o un margen de tiempo para huir, una vez Deckard y Rachel se convierten en fugitivos;</div>
<div style="padding-left: 30px; text-align: justify;">
<b>3)</b> y por supuesto, que conoce los sueños más íntimos y personales de Deckard, revelándole su verdadera naturaleza de replicante.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />Merece la pena destacar que, al hilo de este último punto, <b>Gaff hace con Deckard exactamente lo mismo que este hace con Rachel</b> cuando le revela cruelmente que ella es una replicante. Él ha leído los informes de Rachel, y conoce hasta el más íntimo de sus recuerdos, lo cual puede explicar, a su vez, por qué Gaff conoce los sueños de Deckard. De hecho, todo cuanto sucede con Rachel funciona como una especie de anticipación de lo que sucede posteriormente y a un nivel más amplio con Deckard. <b>Las situaciones de ambos forman un perfecto paralelismo</b>, hasta tal punto que una de las fotografías que cuelgan del piano de Deckard muestra un porche totalmente idéntico al de la fotografía de Rachel con su madre. Y la progresión “in crescendo” en la que, en este sentido, se va narrando la confusión de identidades primero de ella, y paralelamente la de él, es simplemente magistral por parte del realizador y el guionista.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando nosotros creemos que es una mujer normal y corriente (y ella también lo cree), se comporta de una manera fría y mecánica como una humana. Pero cuando sospecha de sí misma y finalmente Deckard le revela su verdadera naturaleza, Rachel da rienda suelta a sus sentimientos: las dudas, los llantos, el dolor y el amor. Todo ello reflejado en ese maravilloso segundo encuentro en el apartamento de Deckard (una de las escenas más intensas de la película) en el que, en el colmo de la ironía, nos asombramos ante la trascendental metamorfosis de Rachel: en apenas segundos, deja de ser un “muñeco humano” de cabello perfectamente repeinado, piel brillante como el plástico y de ángulos rectos y forzados (esas hombreras), para “transformarse” en una replicante absolutamente humana, bella, sensual, y de emociones tan desatadas como su cabello. Una escena tan trascendente, tan cargada de significado y resuelta con tal sencillez que es de asombro.<br />
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<span style="font-size: 130%;"><b><span style="color: green;">CONCLUSIÓN</span></b></span><br />
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/br4.jpg" style="display: block; float: none; margin-left: auto; margin-right: auto;" /><br />
<div style="text-align: justify;"><i><b>Blade Runner</b></i> es una película que, cada vez que la veo, más me hace reflexionar. No sólo en el oscuro y pesimista futuro que paso a paso ayudamos a construir. También me hace pensar en el <b>tiempo</b>. Me hace recordar que todos somos seres efímeros, y un día desapareceremos. ¿Cuánto tiempo me queda hasta entonces? ¿Me parecerá insuficiente el tiempo que he tenido? ¿Y a dónde se irán todas esas experiencias, todos esos recuerdos y todo el amor que habré sentido y que en estos momentos me son tan preciados? En estos tiempos en que somos cada vez más conscientes de enfermedades degenerativas todavía sin cura como el <b>alzheimer</b>, pocas cosas nos pueden parecer más injustas y crueles que el perder nuestros propios recuerdos; todas aquellas experiencias que, cual ladrillos de una estructura, conforman pieza por pieza lo que somos cada uno de nosotros como personas. Y las inmortales palabras finales de Roy Batty llorando en la lluvia resonarán por siempre en mi cabeza.<br />
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<div style="text-align: justify;">
Al igual que el mito de la caverna de Platón, <i>Blade Runner</i> funciona como una parábola pesimista sobre el ser humano y sobre el valor de todo aquello que nos hace como tales y nos estimula a mirar más allá, frente a un mundo que, cada vez más y más, se ahoga en su propia deshumanización.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
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<span style="font-size: 85%;">[Reseña <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/07/18/critica-blade-runner-el-montaje-final-blade-runner-the-final-cut-19822007-de-ridley-scott/">publicada originalmente</a> en el blog <a href="http://peliculeros.wordpress.com/" style="font-weight: bold;">PELICULEROS</a> el día 3 de diciembre de 2008 y retocada y ampliada en noviembre de 2010]</span></div>Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com52tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-4488265551925582622010-10-31T15:00:00.014+01:002011-12-19T22:03:09.147+01:00'Star Trek: la Película' ('Star Trek: The Motion Picture – Director’s Edition'; 1979), de Robert Wise.<div style="text-align: justify;">
<img alt="" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/8.jpg" style="cursor: pointer; float: left; height: 303px; margin: 0pt 10px 10px 0pt; width: 200px;" />Fue en la noche del 8 de Septiembre de 1966, cuando la cadena estadounidense NBC emitió el primer capítulo de una serie de televisión que, muy poco a poco, acabaría por convertirse en uno de los seriales más importantes de la historia del medio, y por encima de todo, en un fenómeno sociológico y cultural que ya forma parte inherente de la cultura moderna occidental, para bien y para mal.</div>
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La novedad de <em>Star Trek</em> era que se trataba de una serie que no hablaba sobre la guerra, sino sobre la paz. Su bienintencionado creador, <strong><a href="http://www.imdb.com/name/nm0734472/">Gene Roddenberry</a></strong>, aunó algunas de las pautas aventureras de la “Space Ópera” y las sensibilidades sociales de aquellos revolucionarios años sesenta como el pacifismo, la igualdad sexual, las integraciones raciales y culturales o el amor por la naturaleza, con muchas de las constantes filosóficas y humanistas de la Ciencia-Ficción literaria de la época (discursos por aquel entonces escasos en el cine o la televisión), en una amalgama inusual que Roddenberry tomó como medio para poder expresar y compartir dichas inquietudes de forma muy sencilla y digerible, y al mismo tiempo difundir sus esperanzas más optimistas en la posibilidad de un futuro de paz y progreso en que la humanidad consigue erradicar el hambre, las desigualdades, la guerra e incluso el dinero. Todas esas inquietudes, centradas en Grandes Preguntas como nuestro papel en el Cosmos o la búsqueda de Dios, resultaron inusuales en una sociedad más acostumbrada a historias televisivas más típicas de buenazos y malotes, pero al final lograron calar hondo en un público de fieles telespectadores que semana a semana hacían volar sus fantasías y esperanzas junto a la tripulación del USS Enterprise en su búsqueda de respuestas y nuevos mundos a lo largo del Espacio, la última frontera.</div>
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<a name='more'></a><div style="text-align: center;">
<img alt="Photobucket" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/2-3.jpg" /><br />
<em>La tripulación y los pijamas más famosos del universo.</em></div>
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Tras 79 capítulos en tres temporadas, y una corta serie de animación bastante infame, <em>Star Trek</em> fue definitivamente cancelada por causa de unos resultados de audiencia que no fueron del todo satisfactorios. Más tarde, la demanda popular y un cada vez más potente éxito en sus reposiciones televisivas hizo que la Paramount volviera a considerar dar continuación al serial por medio de una segunda serie que habría de titularse <strong><em>Star Trek Phase II</em></strong>. Pero al entrar en escena el hiper-mega-pepinazo de éxito del primer <em><strong>Star Wars</strong></em> de George Lucas en 1977, dicho proyecto fue cancelado y remodelado con el objetivo de trasladar finalmente la serie al medio cinematográfico, dotándolo además de un ligero lavado de cara que aportara frescura al producto y, sobre todo, un mayor pulido en el aspecto formal.</div>
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Así, fue cómo surgió <em><strong>Star Trek: la Película</strong></em>, en la que figura un plantel de nuevas caras en el universo <em>Trek</em>, tanto delante como especialmente detrás de la pantalla, y que encabeza el insigne cineasta <a href="http://www.imdb.com/name/nm0936404/"><strong>Robert</strong> <strong>Wise</strong></a>, quien a pesar de ser popularmente más conocido por <em>West Side Story</em> y <em>Sonrisas y Lágrimas</em>, es el responsable de peliculones infinitamente superiores como <em>Ultimátum a la Tierra</em> (1951), <em>La Amenaza de Andrómeda</em> (1971) y esa maravilla del género de terror titulada <em>La Mansión Encantada</em> (<em>The Haunting</em>) (1963).</div>
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Un inciso: la presente edición en DVD es <strong>un montaje retocado supervisado por el mismo Robert Wise</strong> más de veinte años después del estreno original, y lejos de sucumbir en manoseamientos “made in Lucas”, se limita especialmente a pulir un cierto número de secuencias que apenas fueron terminadas en su tiempo por culpa de las prisas de la Paramount en estrenar el producto, y a hacerlas mucho más fieles según la concepción original. Los nuevos efectos se integran a la perfección con los antiguos de forma que, excepto uno o dos planos, es muy difícil diferenciar lo nuevo de lo viejo. Una gran edición que podría haber sido mejor por culpa del <strong>aséptico y espantoso redoblaje</strong> con el que la distribuidora de nuestro país nos ha querido joder a todos los españoles, relegando al olvido el buen trabajo de profesionales como Constantino Romero (Kirk), Camilo García (Spock) o Manolo García (Decker). Así pues, aprovechad esta porculada para disfrutar de la película en V.O., <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/09/03/entre-doblajes-y-versiones-originales/">que siempre es mucho mejor</a>.</div>
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<img alt="Photobucket" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/10.jpg" /><br />
<em>Roddenberry (arriba) y Robert Wise (abajo) controlando el cotarro.</em></div>
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Es el año 2.271. Ha pasado una década desde la última aventura de la USS Enterprise, y la tripulación se haya desperdigada en sus respectivos caminos mientras nuevas naves cruzan el Espacio en busca de nuevos mundos. Sin embargo, <strong>una inmensa nube de energía de origen desconocido</strong> se acerca en dirección a la Tierra, y la Federación de Planetas se ve en la necesidad de reunir de nuevo a la tripulación del Enterprise bajo el mando del capitán Kirk con el objetivo de interceptar al misterioso objeto y establecer contacto para intentar averiguar sus intenciones. Pero en el interior de la nube cósmica les esperan una basta inteligencia denominada <strong>V'Ger</strong> y una sorpresa…</div>
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Bajo esta premisa, <em>Star Trek: La Película</em> es un film que se recrea en la ambientación gracias a una atmósfera que desprende un fascinante hálito de misterio. Por esta razón lo más destacable de su empaque es el apartado visual, resultado de la sorprendente labor del equipo de efectos visuales capitaneado por dos de los mejores técnicos que ha habido en el cine de los setenta y ochenta: <a href="http://www.imdb.com/name/nm0004375/"><strong>John Dykstra</strong> </a>(<em>Star Wars Episodio IV</em>, la antigua <em>Battlestar Galáctica</em>, <em>Fuerza Vital</em>) y <a href="http://www.imdb.com/name/nm0874320/"><strong>Douglas Trumbull</strong> </a>(<em>2.001: Una Odisea del Espacio</em>, <em>Blade Runner</em>, <em>Encuentros en la Tercera Fase</em>). Como es obvio, muchos de los efectos cantan a cualquier ojo en estos tiempos en que erróneamente se atribuye el “se notan” con el “son malos”, pero ya sea por la gracia y soltura con que están planeados como por la originalidad de los diseños y los efectos fotográficos con que están rodados, son dignos de admiración.</div>
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/9.jpg" /></div>
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Ambos artesanos dejan para el recuerdo numerosas escenas destinadas al más puro placer de la contemplación, como la maravillosa secuencia de presentación del Enterprise o todas las que suceden en el interior de V'Ger, con la nave insignia navegando en un basto entorno psicodélico a medio camino entre lo orgánico y lo sintético. Todas esas secuencias, largas y muy numerosas, se alternan con una trama más o menos dinámica que impide que caiga en lo cargante… pese a que el desarrollo del film sea lento en comparación con los cánones populares actuales de ritmo. De hecho, si hay algo que se nota de la mano de Robert Wise son tanto los numerosos planos rodados con pantalla partida y lente doble (recurso habitual del director) como quizás la estructura del film, bien equilibrada entre los pasajes efectistas y los más reflexivos.</div>
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Mención aparte debe recibir otro de los responsables de la atmósfera del film y de las auras de misterio y romanticismo que de él se desprende: el <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/07/21/cuatro-anos-sin-jerry-goldsmith/"><strong>Maestro Jerry Goldsmith</strong></a>, quien recogiendo la batuta del compositor de la serie, <strong>Alexander Courage</strong>, gestó un trabajo musical (ganador de una nominación al Oscar) que es todo un monumento tanto en los momentos más mágicos y misteriosos como en esa inmortal fanfarria principal que acabó por ser la seña musical indiscutible de toda la franquicia. Una música fascinante, con una magnífica orquestación y una amplia gama de sonoridades cuya gloria se ve mejor ilustrada durante la emocionante <strong>secuencia de presentación del USS Enterprise</strong>, que a ciencia cierta es uno de los mejores ejemplos de fusión imagen-música de todo el cine fantástico.</div>
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/15.jpg" /></div>
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Por otro lado, uno de los pilares fundamentales en que la serie siempre encontró su sustento fue su conocido <strong>conjunto de personajes</strong>, todos ellos deliciosos en sus contrastes y carismáticos en su ingenuidad humana. No deja de entristecer, por tanto, que uno de los puntos que bajan enteros a esta película sea el frío y escaso tratamiento de la mayoría de sus protagonistas, pese a la larga parte introductoria del film que supuestamente se dedica a ello. En <em>Star Trek: La Película</em>, al lado de los míticos capitán <strong>Kirk</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0000638/">William Shatner</a>), <strong>Spock</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0000559/">Leonard Nimoy</a>), <strong>“Huesos” McCoy</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0001420/">DeForest Kelley</a>), <strong>Sulu</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0001786/">George Takei</a>), <strong>Uhura</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0629667/">Michelle Nichols</a>), <strong>Scotty</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0001150/">James Doohan</a>) y <strong>Chekov</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0000479/">Walter Koening</a>) hacen acto de presencia otros personajes que habrían de formar parte fija en la segunda serie cancelada. Ellos son el comandante <strong>Decker</strong> (<a href="http://www.imdb.com/name/nm0004834/">Stephen Collins</a>) y la bellísima <strong>Ilía</strong> (la actriz india <a href="http://www.imdb.com/name/nm0001422/">Persis Khambatta</a>), personajes nuevos que, paradójicamente, acaban teniendo una importancia decisiva en la trama, al ser la bella y trágica historia de amor entre ambos el engranaje que hace funcionar las últimas piezas de la historia en una conclusión de tintes místicos en la que, de nuevo, Jerry no vuelve a decepcionar.</div>
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<img alt="Photobucket" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/12.jpg" /><br />
<em>Ilía: la calva más sexy de todo el Universo.</em></div>
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Esta maniobra permite que los espectadores menos profanos en <em>Star Trek</em> tengan a dos personajes con los que establecer una más fácil asimilación emocional al tiempo que se aporta frescura al producto, pero también provoca que muchos de los personajes clásicos apenas tengan desarrollo por parte de los guionistas e incluso tengan una presencia más bien anecdótica. De todos ellos, aunque el personaje de Kirk tiene sus buenos momentos en su reencuentro con el Enterprise y sus compañeros y en sus discrepancias con Decker y el mando de la flota, el personaje clásico que más se desarrolla en esta película es el del hierático y fascinante <strong>Spock</strong>. Siempre torturado por el dilema moral de su mestizaje en confrontación con los férreos condicionamientos culturales vulcanianos, en esta película se nos muestra más dolorido por su fracaso en el rito de la consecución del Kohlinar (que es la ausencia total de sentimientos), hasta el punto que acaba creando una profunda conexión con V'Ger, incluyendo un viaje psicodélico a través de la “mente” de la nube (con reminiscencias muy obvias de <em>2001: Una Odisea del Espacio</em>), y una conmovedora escena en que se nos muestra soltando una lagrimita.</div>
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<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/14.jpg" /></div>
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Un punto a favor del espíritu de la serie es la trama principal, cuyo guión, por cierto, contó con el asesoramiento científico del mismísimo <strong>Isaac Asimov</strong>. Dicha trama parte del argumento de lo que iría a ser uno de los capítulos de <em>Star Trek Phase II</em>, y alberga <strong>una reflexión de fondo sobre la soledad y la condición humana</strong> que es puramente “Roddenberriana”. Tras las acciones del misterioso V'Ger (que posteriormente <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/11/06/michael-crichton-1942-2008/">Michael Crichton </a>copiaría para su novela <em>Esfera</em>) nos encontramos ni más ni menos que con uno de los temas más recurrentes de la Ciencia-Ficción como indagación de la condición humana: el mito de la creación humana que vuelve a su cuna de origen en busca de su creador, como metáfora de nuestra propia búsqueda de Dios. Pues si hacemos la extrapolación, V'Ger no es más que <strong>un reflejo de nosotros mismos</strong>, apenas unos niños en la escala evolutiva que poco sabemos diferenciar el bien y el mal de nuestras acciones, seres capaces de lo mejor y de lo peor condenados a vagar perdidos ya no sólo en la inmensidad del Espacio exterior, sino también en la de nuestro propio laberinto interior mientras desesperadamente buscamos respuestas a las famosas Grandes Preguntas. Y, realmente, estamos tan jodidamente perdidos como el pobre de V'Ger.</div>
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<div style="text-align: justify;">
Este trasfondo tan fiel al espíritu de <em>Star Trek</em> no evita, de todas formas, que el mencionado frío y poco provechoso tratamiento de personajes clásicos le baje enteros, y asimismo que las características dosis de humor de la serie brillen aquí por su ausencia. Al dejar todo esto tan de lado a favor de una mayor importancia a los efectos visuales y a la seriedad de su trasfondo, mucha gente puede tachar la película como muy pretenciosa y aburrida. Así sucedió hace treinta años, decepcionando a gentes poco conocedoras de <em>Star Trek</em> que habían sido arrastradas al cine buscando emociones más inmediatas y potentes como <em>Star Wars</em> (que era lo que, realmente, la Paramount quiso vender), y al mismo tiempo a muchos fans de la serie que vieron cómo la seriedad del film apartaba al carisma y humor de los personajes de toda la vida. Por eso ha tenido que ser el tiempo quien ha acabado por hacer valorar todas las virtudes de <em>Star Trek: La Película</em> en su justa medida y posicionarlo como el <strong>clásico del cine de Ciencia-Ficción</strong> que es.</div>
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<div style="text-align: center;">
<img alt="Photobucket" border="0" class="aligncenter" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/1-3.jpg" /><br />
<span style="font-style: italic;">(Hum... Mi próxima orden será que el Scanner de la nave traspase la ropa...)</span></div>
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Y lo que sucedió después ya es historia. Nuevas películas, con mucha menos profundidad y con más acción y aventura, seguirían a esta; nuevas series dominarían la Ciencia-Ficción del medio catódico; y la Paramount acabaría por disfrutar de su gallina de los huevos de oro durante décadas. Parece que el espíritu del legado de Gene Roddenberry sigue todavía con salud, pues como reza el inicio de los créditos finales de este clásico, <strong>“The human adventure is just beggining”</strong>.</div>
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<div style="text-align: justify;">
“¡Larga y próspera vida!”.</div>
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<span style="font-size: 85%;">[Reseña <a href="http://peliculeros.wordpress.com/2008/12/03/visionando-star-trek-la-pelicula-star-trek-the-motion-picture-%E2%80%93-director%E2%80%99s-edition-1979-de-robert-wise/">publicada originalmente</a> en el blog <a href="http://peliculeros.wordpress.com/" style="font-weight: bold;">PELICULEROS </a>el día 3 de diciembre de 2008]</span></div>Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4908681482042531577.post-14618272358670497222010-10-22T20:11:00.042+02:002022-12-28T09:26:54.259+01:00Espejo del Hombre.<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRLpmZXaXozwakU0NKGrAhoUn-d5LpeYH0SXVWAFqsVZzg6zVr3UDvsYLQi-U3DmkS7kvruyD8XFkSC-H25z02_LiqdPhJT89uaYzI_Wkfl8KiY7ezEz2zTf9wvHHGEHqcrTiB31_vQb9my9zzY952icqDqjux9SlqXk4hp5WdOUXOEDj55F1-pvlz/s517/Sinttulo-1-2%5B1%5D.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="'concept art' Dune de David Lynch" border="0" data-original-height="227" data-original-width="517" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRLpmZXaXozwakU0NKGrAhoUn-d5LpeYH0SXVWAFqsVZzg6zVr3UDvsYLQi-U3DmkS7kvruyD8XFkSC-H25z02_LiqdPhJT89uaYzI_Wkfl8KiY7ezEz2zTf9wvHHGEHqcrTiB31_vQb9my9zzY952icqDqjux9SlqXk4hp5WdOUXOEDj55F1-pvlz/s16000/Sinttulo-1-2%5B1%5D.jpg" title="'concept art' Dune de David Lynch" /></a></div>
<div style="text-align: justify;"><blockquote>“Esta vez, todo había terminado. Los hombres no realizaban ya ningún trabajo; las máquinas los sustituían por completo. Vivían retirados en sus refugios antirradiactivos y lentamente iban paralizándose, sin fuerzas siquiera para procrear. Pero esto no les importaba, puesto que los robots les proveían de todo lo que podían necesitar. Así, los últimos hombres terminaron muy pronto por atrofiarse completamente. Entonces, los autómatas los eliminaron tranquilamente. Después de tantos siglos desde que el hombre los creara, esperaban con ansia ese momento. Después, pensaron que al fin podrían descansar. Pero muy pronto se dieron cuenta de que para ello necesitaban servidores.
Así, inventaron a los hombres…”
<span style="font-style: italic;">Los Sustitutos</span>, de <span style="font-weight: bold;">Bernard Pechberty</span>.</blockquote></div><div style="text-align: justify;">En este relato corto, probablemente escrito entre las décadas de los sesenta y los setenta, y que he querido destacar para la inauguración de este nuevo blog, se nos presenta uno de los pilares narrativos más célebres del género de la Ciencia-Ficción: el de la vida artíficial y nuestro miedo natural a ser sustituídos por ella (el «<a href="http://elfindelaeternidad.blogspot.com/2008/11/el-mito-de-frankenstein_19.html">Complejo de Frankenstein</a>»). Sin embargo, esta temática, nacida en los antiguos folclores de la Humanidad, fermentada a través de la literatura y que tantas horas de entretenimientos nos ha aportado a través del cine (<span style="font-style: italic;">Inteligencia Artificial</span>, <span style="font-style: italic;">Blade Runner</span>, <span style="font-style: italic;">Battlestar Galactica</span>, <span style="font-style: italic;">Almas de Metal</span>, <span style="font-style: italic;">Matrix</span>, <span style="font-style: italic;">Terminator</span>, <span style="font-style: italic;">Dune</span>…), encierra profundas reflexiones humanistas que, generalmente, son pasadas por alto por una sociedad tendente a dejarse llevar por los tópicos y más atenta a los continentes que a los contenidos.
Desde los humanoides artificiales de la antigua Grecia, pasando por los homúnculos y Golems de los folclores medievales hasta los androides de las narraciones contemporáneas, las historias del Hombre enfrentado a sus coetáneos artificiales han sido siempre una constante temática que nos ha acompañado durante milenios. En ellas podemos encontrar, reflejadas entre líneas, críticas a los regímenes esclavistas o a las tendencias jerárquicas de nuestra Humanidad, como sucede con los “Robots” de la obra de 1920 <span style="font-style: italic;">R.U.R.</span>, de <span style="font-weight: bold;">Karel Čapek</span> (donde, por cierto, se acuña por primera vez este popular término). Se pueden vislumbrar, también, alegorías de la progresiva deshumanización de nuestra raza o reflejos de los conflictos “raciales”, como sucede –a un nivel profundo, eso sí– en obras como <span style="font-style: italic;">Blade Runner</span>. O podemos encontrar, asimismo, reflexiones en torno a la tendencia natural de nuestra Humanidad a jugar a ser Dios por medio de la creación de vida, o bien acerca de nuestros implícitos deseos naturales de conocer las respuestas a las Grandes Preguntas y hallar a nuestro Creador (como sucede en <span style="font-style: italic;">Star Trek: La Película</span>, <span style="font-style: italic;">Inteligencia Artificial</span>, <span style="font-style: italic;">Frankenstein </span>o en la citada <span style="font-style: italic;">Blade Runner</span>, donde incluso se nos muestra un Patricidio con poderosos tintes nihilistas).
<div style="text-align: center;"><img alt="" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/Sinttulo-2.jpg" style="cursor: pointer; display: block; height: 227px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 517px;" />
</div>Sea como sea, el punto de conflicto de estas historias es siempre el mismo: la sublevación del oprimido sobre el opresor. Pues el Hombre, plenamente consciente de sus miserias y sus limitaciones, siente terror hacia sus propias creaciones porque en ellas se ve reflejado a sí mismo. No es de extrañar, por tanto, que muchas de las obras capitales de este género hayan sido escritas en algunos de los momentos más frágiles de nuestra propia historia.
Pero este no es la única temática de este género que, parafraseando a Juan José Plans, tal vez sea el más peculiar de los tiempos en que vivimos. Futuros posibles; parábolas políticas, sociales o religiosas; hipótesis sobre nuestro lugar en el Cosmos; invasiones extraterrestres; aventuras espaciales… Tanto en las obras de los lejanos precursores del género como <span style="font-weight: bold;">Luciano de Samosata</span>, <span style="font-weight: bold;">Tomás Moro</span>, <span style="font-weight: bold;">Jonathan Swift</span>, <span style="font-weight: bold;">Voltaire </span>o <span style="font-weight: bold;">Mary Shelley</span>, como en las de autores contemporáneos como <span style="font-weight: bold;">Brian Aldiss</span> o <span style="font-weight: bold;">Robert A. Heilein</span>, en este género caben tanto los positivismos como los pesimismos, y sea cual sea la temática de una obra de Ciencia-Ficción, al final, la gran mayoría de ellas confluye en lo mismo: funcionar a modo de una visión crítica de nuestro tiempo, entendida por medio de la extrapolación. Así, por muy viscosos que sean unos o por muy metálicos que sean otros, tanto los extraterrestres como los robots de este género literario son, en el fondo, el reflejo que resulta de observarnos a nosotros mismos en el espejo y asustarnos de lo que vemos.
Desde las anticipaciones científicas de <span style="font-weight: bold;">Julio Verne</span> o <span style="font-weight: bold;">H.G. Wells</span> hasta los futuros distópicos de <span style="font-weight: bold;">George Orwell</span> o <span style="font-weight: bold;">Aldous Huxley</span>; desde la poesía nostalgica de <span style="font-weight: bold;">Ray Bradbury</span> hasta la pesimista epistemología de <span style="font-weight: bold;">Stanislaw Lem</span>; desde los imaginarios futuros de <span style="font-weight: bold;">Isaac Asimov</span> hasta los anhelos evolutivos de <span style="font-weight: bold;">Arthur C. Clarke</span>; pasando por las divertidas aventuras “pulp” de <span style="font-weight: bold;">Edgar Rice Burroughs</span> o <span style="font-weight: bold;">Alfred Bester</span>, o a través de los laberínticos futuros mentales de <span style="font-weight: bold;">Philip K. Dick</span>… La Ciencia-Ficción ha ido evolucionando a través de dos mil años de historia literaria gracias a una larga serie de autores comprometidos; analistas sociales que han sabido reflexionar, con mayor o menor fortuna pero de un modo siempre atractivo y entretenido, acerca de inquietudes que para nada son simples o intrascendentes. Y aunque no podamos saber cómo será el propio porvenir de este género en el futuro, lo que está claro es que, mientras exista, seguirá siendo reflejo de nuestras cuestiones humanistas, y el mismo campo fértil que ha sido siempre donde poder verter y articular tanto nuestras esperanzas como nuestros temores.
Seamos cautos…
</div>
<img alt="" border="0" src="http://i200.photobucket.com/albums/aa226/GuiF5/Sinttulo-3-1.jpg" style="cursor: pointer; display: block; height: 227px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 517px;" />
[Fotografías: fotogramas de la introducción de la versión extendida de <span style="font-style: italic;">Dune </span>(de David Lynch; 1984)].Guillermo (Atreus)http://www.blogger.com/profile/15007357234958922039noreply@blogger.com4